All Vinyl - Клуб меломанов.

Информация о пользователе

Привет, Гость! Войдите или зарегистрируйтесь.


Вы здесь » All Vinyl - Клуб меломанов. » Композиторы » Р - Композиторы


Р - Композиторы

Сообщений 1 страница 10 из 10

1

http://s017.radikal.ru/i400/1209/df/4d836e5648ee.jpg

Джоаккино Антонио Россини
(итал. Gioachino Antonio Rossini[1]; 1792—1868) — итальянский композитор, автор 39 опер, духовной и камерной музыки.
Россини родился 29 февраля (по собственным словам 2 марта) 1792 года в Пезаро в Марке (отсюда прозвище: «Пезарский лебедь»). Отец Россини был валторнистом, мать — певицей.
Мальчик рос с малолетства в музыкальной обстановке и, как только обнаружился его музыкальный талант, был послан для развития голоса к Анжело Тезеи в Болонью, где начались его занятия на клавесине. В Болонье он знакомится со знаменитым тенором Маттео Баббини, который даёт ему несколько уроков.[2] В 1807 году Россини поступил учеником аббата Маттеи (англ.) по композиции в Liceo filarmonico в Болонье, но прервал свое учение как только прошел курс простого контрапункта, так как по мнению Маттеи знания последнего было вполне достаточно чтобы быть в состоянии писать оперы.
Первым сценическим дебютом Россини была одноактная опера: «La cambiale di matrimonio» («Брачный вексель») (1810 в театре San Mose в Венеции), которая обратила на себя внимание широкой публики, также как и вторая: «L' equivoco stravagante» («Странный случай») (Болонья 1811); впрочем они понравились настолько, что Россини был завален работой, и к 1812 году написал уже 5 опер. В следующем году, после того как его «Танкред» поставлен был на сцене театра Fenice в Венеции, итальянцы уже решили, что Россини величайший из живущих оперных композиторов Италии, — мнение, которое укрепила опера «Итальянка в Алжире».
Но наибольший триумф доставила Россини в 1816 году постановка на сцене театра Argentina в Риме его «Севильского цирюльника»; опера эта — не только наиболее гениальное его творение, но может быть и венец всех итальянских опер-буфф. В Риме встретили «Севильского цирюльника» с большим недоверием, так как считали дерзостью, чтобы кто-либо осмелился написать, после Паэзиелло, оперу на тот же сюжет; на первом представлении оперу Россини приняли даже холодно; второе представление, которым расстроенный Россини сам не дирижировал, напротив, имело опьяняющий успех: публика устроила даже факельное шествие.
Еще в том же году последовал в Неаполе «Отелло», в котором Россини впервые совершенно изгнал recitativo secco, затем «Золушка» в Риме и «Сорока-воровка» 1817 в Милане. На 1815-1823 годы Россини заключил контракт с театральным антрепренером Доменико Барбайя, по которому за ежегодное вознаграждение в 12 000 лир (4 450 руб.) обязывался поставлять каждый год по 2 новые оперы; у Барбайи были в то время в руках не только неаполитанские театры, но и театр Ла Скала в Милане и Итальянская опера в Вене. Вялый прием, оказанный «Семирамиде» (Венеция), — произведению, написанному шире и грандиознее предыдущих, побудил Россини посетить в 1823 году Лондон, где он концертами и частными уроками и пр. собрал в пять месяцев 10 000 фунтов стерлингов (100 000 руб.). В октябре того же года он отправился в Париж, где поселился надолго, и взял на себя антрепризу Théâtre italien.
Россини совсем не обладал организаторскими способностями, и в течение двух лет положение театра так упало, что виконт Ларошфуко, с согласия самого Россини, отставил его от антрепризы и назначил главным интендантом королевской музыки и главным инспектором пения, — синекура, приносившая Россини 20 000 франков жалования. Хотя Июльская революция и лишила Россини этих должностей, но ему удалось путем продолжительного процесса добиться пенсии в 6 000 франков. Россини превратился в Париже в истого француза и 1829 году написал «Телля», свое главное произведение в области большой оперы и вместе с тем последнее сценическое произведение.
В продолжение большого промежутка времени с 1829 до своей смерти (38 лет) Россини брался за перо только для того чтобы написать свое знаменитое Stabat Mater (1832 год; в позднейшем, расширенном виде 1841 год) и несколько церковных композиций и кантат. В 1836 году Россини уехал из Парижа и поселился в Италии, сперва в Милане, затем на своей вилле близ Болоньи; он болел и скучал. Огромный успех «Stabat» снова несколько оживил его; зато волнения в 1848 года снова плохо повлияли на него, ему пришлось бежать из-за повстанцев во Флоренцию и наконец в 1853 он решился вернуться в Париж, где вскоре поправился и прожил еще 15 лет, пользуясь всеобщим уважением.
Россини создал (за 20 дней) своё самое известное произведение — оперу «Севильский цирюльник» по пьесе Бомарше.
В 1821 году Россини женится на певице Изабелле Кольбран. В 1823 году по приглашению директора Театра Её Величества композитор едет в Великобританию, где ему за пятимесячную работу выплачивают жалованье в 7 000 фунтов стерлингов. В 1824 году Россини получает должность директора Итальянского театра в Париже.
В 1845 г. умирает первая жена композитора. В 1847 г. Россини женится на Олимпии Пелиссье. В 1855 г. вновь обосновался в Париже, сделав свой дом одним из самых модных музыкальных салонов.
Россини скончался 13 ноября 1868 года в городке Пасси близ Парижа. В 1887 году прах композитора был перевезен во Флоренцию.
Имя Россини носит консерватория в его родном городе, созданная согласно его завещанию.
WIKI

0

2

http://i070.radikal.ru/1209/fd/0c41a3291807.jpg

Отторино Респиги (итал. Ottorino Respighi; 9 июля 1879, Болонья — 18 апреля 1936, Рим) — ведущий итальянский композитор-симфонист XX века, который проделал эволюцию от импрессионизма к неоклассицизму.
Сын учителя фортепиано, получил первые уроки музыки у своего отца. С 1891 г. учился в Болонском музыкальном лицее у Федерико Сарти (скрипка и альт) и Джузеппе Мартуччи (англ.)русск. (композиция), занимался также под руководством музыковеда Луиджи Торчи, от которого унаследовал интерес к итальянской музыке XVI—XVIII веков. В 1899 г. получил диплом инструменталиста и отправился в Россию, где играл в оркестре Мариинского театра при исполнении итальянского репертуара, а также на протяжении пяти месяцев изучал композицию в Санкт-Петербургской консерватории у Н. А. Римского-Корсакова. Затем некоторое время работал в Москве, в дальнейшем вернулся в Болонью, где получил диплом и по композиции. Работал аккомпаниатором в вокальной школе Эльки Герстер (нем.)русск., играл на альте в фортепианном квинтете под руководством Бруно Муджеллини. Некоторое время концертировал также в Германии, одновременно беря уроки композиции у Ферруччо Бузони и Макса Бруха. Затем полностью посвятил себя композиции. С 1913 г. преподавал в римской консерватории Санта-Чечилия (итал.)русск., в 1923—1926 — её директор.
В 1916 г. создал симфоническую поэму «Фонтаны Рима», в которой отразились его впечатления от четырёх фонтанов Вечного города. За этим триумфом последовали «Пинии Рима» (1924), «Римские празднества» (1926) и сюита «Птицы» (1927).

0

3

http://s52.radikal.ru/i138/1209/41/87dddffe7e0f.jpg

Ни́но Ро́та (итал. Nino Rota, настоящее имя Джованни Рота Ринальди, итал. Giovanni Rota Rinaldi; 3 декабря 1911, Милан — 10 апреля 1979, Рим) — итальянский композитор, автор музыки ко многим фильмам Феллини, а также к фильму «Крёстный отец» Копполы.
Нино Рота родился в 1911 году в Милане, в семье музыкантов. В детстве, переехав в Рим, поступил в консерваторию, которую закончил в 1929 году. Ещё в консерватории Рота прослыл вундеркиндом — он зарекомендовал себя как композитор и дирижёр оркестра, а его первая оратория «L’infanzia di San Giovanni Battista» уже в 1923 году была поставлена в Милане и Париже.
С 1930 по 1932 год Рота жил в США, получил учёную степень в Кёртисовском институте, где он учился композиции у Розарио Скалеро и по классу оркестра у Фрица Райнера. По возвращении в Италию изучал литературу в Миланском университете; позднее, в 1937 году, начал преподавательскую карьеру. Начиная с 1950 и до своей смерти в 1979 году занимал пост директора консерватории Бари.
Автор ряда опер, в том числе: «Ariodante» (1942), «Torquemada» (1943), «I due timidi» (1950), «Il capello di paglia di Firenze» (1955), «La notte di un nevrastenico» (1959—1960), «Aladino e la lampada magica» (1968), «La visita meravigliosa» (1970), «Napoli milionaria» (1977) и балетов «La rappresentazione di Adamo ed Eva» (1957), «La Strada» (1965), «Aci e Galatea» (1971), «Le Molière imaginaire» (1976) и «Amor di poeta» (1978, был специально написан для Мориса Бежара). Кроме того, композитор создал огромное количество произведений для оркестра, многие из которых исполняются до сих пор во всём мире.
С начала 1940-х Рота начал писать музыку к кинофильмам, работал с режиссёрами Ренато Кастеллани, Лукино Висконти, Франко Дзеффирелли, Марио Моничелли, Фрэнсисом Фордом Копполой (в 1974 году Рота был удостоен премии «Оскар» за лучшее музыкальное сопровождение к его фильму «Крёстный отец: часть II»), Эдуардо де Филиппо, но наиболее плодотворным оказалось его многолетнее сотрудничество с Федерико Феллини — Рота является автором музыки ко всем его фильмам, начиная с «Белого шейха» (1952) и заканчивая «Репетицией оркестра» (1978).
Помимо музыки к кинофильмам, композитор являлся автором музыкального сопровождения для театральных постановок Эдуардо де Филиппо, Франко Дзеффирелли и Лукино Висконти.
Нино Рота скончался в Риме в 1979 году.

0

4

http://s018.radikal.ru/i527/1209/01/bb2692caaaac.png

Ю́хан Хе́льмик Ру́ман
(швед. Johan Helmich Roman, 26 октября 1694, Стокгольм — 20 ноября 1758, Харальдсмола, Кальмарский лен) — шведский композитор позднего барокко, первый крупный композитор в истории Швеции, скрипач и гобоист.
С 1711 года Руман являлся скрипачом и гобоистом шведской придворной капеллы. В 1715—1721 учился в Лондоне, где также играл в оперном оркестре под руководством Георга Фридриха Генделя. По возвращении в Стокгольм, в 1721 году был назначен придворным вице-капельмейстером, затем в 1727 — капельмейстером. В 1731 Руман учредил первые в Швеции публичные концерты; в 1735—37 гастролировал по странам Европы. Ушел в отставку в 1745.
Его наследие включает вокальные пьесы, церковную музыку, арии, оркестровые сюиты, концерты, симфонии, камерно-инструментальные произведения. Наибольшей известностью пользуется сюита «Дротнингхольмская музыка», написанная в 1744 для свадьбы принца Адольфа Фредрика (родного дяди Екатерины II) и Луизы Ульрики Прусской, дочери прусского короля Фридриха Вильгельма I. В музыка Румана влияние Генделя сочетается с чертами галантного стиля. Руман обрабатывал музыку других композиторов, перевел на шведский некоторые труды по теории музыки.

0

5

http://s019.radikal.ru/i610/1301/56/30bcb55fc53d.jpg

Жан-Фили́пп Рамо́ (фр. Jean-Philippe Rameau; 25 сентября 1683, Дижон — 12 сентября 1764, Париж) — французский композитор и теоретик музыки эпохи барокко.
Сын органиста, знал ноты раньше, чем научился читать. Учился в иезуитской школе. В 18 лет был отправлен отцом в Италию совершенствовать музыкальное образование в Милане. Вернувшись, выступал скрипачом в оркестре Монпелье, служил органистом в Дижоне, Клермон-Ферране, Лионе. С 1722 обосновался в Париже. Писал для парижских театров, сочинял духовную и светскую музыку, с 1745 стал придворным композитором.
Рамо — автор трёх сборников пьес для клавесина (1706, 1724, 1727) и пяти «концертов» для клавесина, скрипки и виолы да гамба (сборник издан в 1741), содержащих сюиты и яркие характеристические пьесы[1]. Среди них наиболее известны «Тамбурин» (Tambourin), «Курица» (La poule), «Дофина» (La Dauphine), «Молоточки» (Les petits marteaux)[2], «Перекличка птиц» (Le Rappel des oiseaux). Пьесы для клавесина — творческая лаборатория Рамо-композитора, место проведения экспериментов в области гармонии, ритма, фактуры. Например, пьесы «Дикари» (Les sauvages) и «Циклопы» (Les Cyclopes) необычайно изобретательны с точки зрения развёртывания тонального лада, а пьеса «Энгармоническая» (L’Enharmonique) — один из первых в истории музыки примеров энгармонической модуляции.
Рамо создал новый оперный стиль, шедевром которого стали его лирические трагедии «Ипполит и Арисия» (1733), «Кастор и Поллукс» (1737). Вершиной музыкально-сценического творчества Рамо признана опера-балет «Галантные Индии» (фр. Les Indes galantes, премьера: 1735, Парижская Опера, балетмейстер М.Блонди), пользующаяся успехом у режиссеров, исполнителей и публики и поныне.
После смерти Рамо его наследие надолго затмила слава Глюка как реформатора оперной сцены. На протяжении XIX столетия Рамо забыли и почти не исполняли (хотя его музыку внимательно изучали Гектор Берлиоз и Рихард Вагнер). Лишь на рубеже XIX—XX вв. значение Рамо и его музыки стало расти. Сегодня он признан крупнейшим французским композитором, виднейшей фигурой музыкальной эпохи между Франсуа Купереном и Гектором Берлиозом. Дени Дидро упоминает его в своем романе «Племянник Рамо».
В честь Рамо назван кратер на Меркурии.

0

6

http://s05.radikal.ru/i178/1307/38/95e11b2ce073.jpg

Серге́й Васи́льевич Рахма́нинов (20 марта (1 апреля) 1873, Семёново, — 28 марта 1943, Беверли-Хиллз, США) — русский композитор, выдающийся пианист-виртуоз и дирижёр. Синтезировал в своём творчестве принципы петербургской и московской композиторских школ (а также традиции западноевропейской музыки) и создал свой оригинальный стиль, оказавший впоследствии влияние как на русскую, так и на мировую музыку XX века.
Творчество Рахманинова принято условно делить на три или четыре периода: ранний (1889—1897), зрелый (его иногда делят на два периода: 1900—1909 и 1910—1917) и поздний (1918—1941).
Стиль Рахманинова, выросший из позднего романтизма, впоследствии претерпел значительную эволюцию. Подобно своим современникам А. Скрябину и И. Стравинскому Рахманинов по крайней мере дважды (ок. 1900 и ок. 1926) кардинально обновлял стиль своей музыки. Зрелый и особенно поздний стиль Рахманинова выходит далеко за пределы постромантической традиции («преодоление» которой началось ещё в ранний период) и в то же время не принадлежит ни одному из стилистических течений музыкального авангарда XX в. Творчество Рахманинова, таким образом, стоит особняком в эволюции мировой музыки XX века: впитав многие достижения импрессионизма и авангарда, стиль Рахманинова остался неповторимо индивидуальным и своеобразным, не имеющим аналогов в мировом искусстве (исключая подражателей и эпигонов). В современном музыковедении часто используется параллель с Л. ван Бетховеном: так же, как и Рахманинов, Бетховен вышел в своём творчестве далеко за пределы воспитавшего его стиля (в данном случае — венского классицизма), не примкнув при этом к романтикам и оставшись чуждым романтическому миросозерцанию.
Первый — ранний период — начинался под знаком позднего романтизма, усвоенного главным образом через стиль Чайковского (Первый Концерт, ранние пьесы). Однако уже в Трио ре-минор (1893), написанном в год смерти Чайковского и посвящённом его памяти, Рахманинов даёт пример смелого творческого синтеза традиций романтизма (Чайковский), «кучкистов», древнерусской церковной традиции и современной бытовой и цыганской музыки. Это произведение — один из первых в мировой музыке примеров полистилистики — словно символически возвещает преемственность традиции от Чайковского — Рахманинову и вступление русской музыки в новый этап развития. В Первой Симфонии принципы стилистического синтеза были развиты ещё более смело, что и послужило одной из причин её провала на премьере.
Период зрелости отмечен формированием индивидуального, зрелого стиля, основанного на интонационном багаже знаменного распева, русской песенности и стиля позднего европейского романтизма. Эти черты ярко выражены в знаменитых Втором Концерте и Второй Симфонии, в фортепианных прелюдиях ор. 23. Однако начиная с симфонической поэмы «Остров мёртвых» стиль Рахманинова усложняется, что вызвано, с одной стороны, обращением к тематике символизма и модерна, а с другой — претворением достижений современной музыки: импрессионизма, неоклассицизма, новых оркестровых, фактурных, гармонических приёмов. Центральное произведение этого периода — грандиозная поэма «Колокола» для хора, солистов и оркестра, на слова Эдгара По в переводе К. Бальмонта (1913). Ярко новаторское, насыщенное небывало новыми хоровыми и оркестровыми приёмами, это произведение оказало огромное влияние на хоровую и симфоническую музыку XX века. Тематика этого произведения характерна для искусства символизма, для данного этапа русского искусства и творчества Рахманинова: в нём символически воплощены различные периоды человеческой жизни, подводящей к неизбежной смерти; апокалипсическая символика Колоколов, несущая идею Конца Света, предположительно оказала влияние на «музыкальные» страницы романа Т. Манна «Доктор Фаустус».
Изображение Рахманинова в рекламе звукозаписывающей компании Виктор (1921)
Поздний — зарубежный период творчества — отмечен исключительным своеобразием. Стиль Рахманинова складывается из цельного сплава самых различных, порой противоположных стилистических элементов: традиций русской музыки — и джаза[источник не указан 1219 дней], древнерусского знаменного распева — и «ресторанной» эстрады 1930-х гг., виртуозного стиля XIX века — и жёсткой токкатности авангарда. В самой разнородности стилистических предпосылок заключён философский смысл — абсурдность, жестокость бытия в современном мире, утрата духовных ценностей. Произведения этого периода отличаются загадочной символикой, смысловой полифонией, глубоким философским подтекстом.
Последнее произведение Рахманинова — Симфонические танцы (1941), ярко воплощающее все эти особенности, многие сравнивают с романом М. Булгакова «Мастер и Маргарита»[источник не указан 1219 дней], законченным в это же время.
Значение композиторского творчества Рахманинова огромно: Рахманинов синтезировал различные тенденции русского искусства, различные тематические и стилистические направления, и объединил их под одним знаменателем— Русским национальным стилем[источник не указан 548 дней].
Рахманинов обогатил русскую музыку достижениями искусства XX века и был одним из тех, кто вывел национальную традицию на новый этап. Рахманинов обогатил интонационный фонд русской и мировой музыки интонационным багажом древнерусского знаменного распева.
Рахманинов впервые (наряду со Скрябиным) вывел русскую фортепианную музыку на мировой уровень, стал одним из первых русских композиторов, чьи фортепианные произведения входят в репертуар всех пианистов мира.
Значение исполнительского творчества Рахманинова не менее велико: Рахманинов-пианист стал эталоном для многих поколений пианистов разных стран и школ, он утвердил мировой приоритет русской фортепианной школы, отличительными чертами которой являются: 1) глубокая содержательность исполнения; 2) внимание к интонационному богатству музыки; 3) «пение на фортепиано» — имитация средствами фортепиано вокального звучания и вокальной интонации.
Рахманинов-пианист оставил эталонные записи многих произведений мировой музыки, на которых учатся многие поколения музыкантов.
WIKI

0

7

http://se.uploads.ru/Jzg2F.jpg

Никола́й Андре́евич Ри́мский-Ко́рсаков (6 [18] марта 1844, Тихвин — 8 [21] июня 1908, усадьба Любенск, Санкт-Петербургская губерния) — русский композитор, педагог, дирижёр, общественный деятель, музыкальный критик; участник «Могучей кучки». Среди его сочинений — 15 опер, 3 симфонии, симфонические произведения, инструментальные концерты, кантаты, камерно-инструментальная, вокальная и духовная музыка.
Николай Римский-Корсаков родился в городе Тихвине Новгородской губернии. Семейный дом Римских-Корсаковых находился на берегу реки Тихвинки, напротив Богородичного Успенского монастыря. Отец композитора, Андрей Петрович Римский-Корсаков (1784—1862), служил некоторое время новгородским вице-губернатором, а затем — волынским гражданским губернатором; мать, Софья Васильевна, была дочерью крепостной крестьянки и богатого помещика Скарятина. Сильное влияние на будущего композитора оказал его старший брат, Воин Андреевич, морской офицер и будущий контр-адмирал.
В возрасте 6 лет началось его домашнее обучение, в том числе и игре на фортепиано[1], однако в сравнении с книгами, музыка производила на ребёнка меньшее впечатление: из последней ему больше нравилась церковная музыка, а также русские народные песни. В 11 лет он начал сочинять свои первые музыкальные произведения[2].
В 1856 году отец отдал мечтавшего о путешествиях Николая в Морской кадетский корпус. В 1858 году у будущего композитора появилось настоящее увлечение музыкой: он познакомился с операми Россини, Доницетти и фон Вебера, но особенно его поразили «Роберт-Дьявол» Джакомо Мейербера и произведения Михаила Глинки — «Жизнь за царя», «Руслан и Людмила», «Каприччио на тему арагонской хоты». Затем появился интерес к музыке Бетховена (его восхищала «Пасторальная симфония» композитора), Моцарта и Мендельсона. «Я был 16-ти летний ребёнок, страстно любивший музыку и игравший в неё» — вспоминал он позднее. Чувствуя необходимость получить более серьёзное музыкальное образование, с осени 1859 года Николай начал брать уроки у пианиста Фёдора Андреевича Канилле[3].
В 1861 году умер отец, и семья Римских-Корсаковых переехала в Санкт-Петербург. В том же году благодаря Фёдору Канилле Николай познакомился с композитором Милием Балакиревым и стал членом его кружка, что оказало решающее воздействие на формирование его личности и эстетических взглядов. В то время в Балакиревский кружок, который позднее стал называться «Могучая кучка», помимо его главы Балакирева и самого Римского-Корсакова входили Цезарь Кюи и Модест Мусоргский. Балакирев руководил работой более молодых коллег и не только подсказывал верные композиторские решения для создаваемых ими сочинений, но и помогал с инструментовкой.
Под влиянием и руководством Милия Алексеевича было начато первое крупное сочинение Римского-Корсакова — Первая симфония. По словам самого композитора, эскизы начала симфонии существовали ещё в годы его обучения у Канилле[4], однако серьёзная работа над сочинением развернулась лишь в 1861—1862 годах — и «к маю 1862 года первая часть, скерцо и финал симфонии были мною сочинены и кое-как оркестрованы»[5].
Этой же весной Николай с отличием окончил Морской корпус и был принят на морскую службу. С 1862 по 1865 год он служил на клипере «Алмаз», участвовавшем в экспедиции к берегам Северной Америки, благодаря чему посетил ряд стран — Англию, Норвегию, Польшу, Францию, Италию, Испанию, США, Бразилию. Служба на клипере не оставляла времени для музыки, так что единственное сочинение, появившееся в этот период из-под пера композитора — вторая часть Первой симфонии, Анданте, написанное в конце 1862 года, после чего Римский-Корсаков на время отложил своё сочинительство. Впечатления от морской жизни позднее воплотились в «морских пейзажах», которые композитору удалось запечатлеть в своих произведениях посредством оркестровых красок.
Вернувшись из путешествия, Римский-Корсаков снова попадает в общество членов Балакиревского кружка, он знакомится с его новым участником — химиком и начинающим композитором Александром Бородиным, с кумиром кружка Александром Даргомыжским, с сестрой Глинки Людмилой Шестаковой и с Петром Чайковским.
Валентин Серов. Портрет Н. А. Римского-Корсакова, 1898.
По настоянию Балакирева Римский-Корсаков вновь принимается за свою симфонию: он сочиняет недостающие трио для скерцо и полностью переоркестровывает произведение. Эта партитура (известная, как первая редакция симфонии) была впервые исполнена в 1865 году под управлением Балакирева — неизменного исполнителя всех ранних симфонических партитур Римского-Корсакова. Обратившись под влиянием Балакирева к славянским народным мелодиям, Римский-Корсаков придерживался в музыке национального колорита, что и в дальнейшем будет характеризовать большую часть его творчества. Найденный здесь музыкальный язык затем был успешно развит в таких сочинениях как «Увертюра на три русские темы» (первая редакция — 1866) и «Сербская фантазия» (1867).
Этапным произведением композитора стала музыкальная картина «Садко» (1867, позднее её музыка будет частично использована в одноимённой опере), самое раннее из программных сочинений Римского-Корсакова. Здесь он выступил как продолжатель традиций европейского программного симфонизма — прежде всего Гектора Берлиоза и Ференца Листа, творчество которых сильно повлияло на композитора; в дальнейшем большая часть произведений Римского Корсакова также будет связана с определённой литературной программой.
В «Садко» Римский-Корсаков, которого позднее назовут «сказочником», впервые соприкоснулся с миром сказки; здесь он впервые использует придуманный им симметричный лад, так называемую «гамму Римского-Корсакова», которую и в дальнейшем он применял для характеристики фантастического мира в своих музыкальных произведениях. Также впервые композитор попытался здесь изобразить с помощью оркестровых красок морскую стихию (позднее он это делал неоднократно в таких сочинениях, как сюита «Шехеразада», прелюдия-кантата «Из Гомера», операх «Садко» и «Сказка о царе Салтане»).
Программно-сказочное начало получило своё дальнейшее развитие в симфонической сюите «Антар», над которой композитор начал работать в 1868 году как над Второй симфонией, вдохновившись сюжетом восточной сказки Осипа Сенковского. Премьера сочинения состоялась в 1869 году на концерте Русского музыкального общества.
В конце 1860-х годов Римский-Корсаков работает над инструментовкой чужих произведений: помогает Цезарю Кюи с оркестровкой оперы «Вильям Радклиф» и заканчивает, согласно завещанию умершего Даргомыжского, партитуру его оперы «Каменный гость». Обратившись к оперному жанру, ставшему впоследствии ведущим в его творчестве, в 1872 году он заканчивает оперу по драме Льва Мея «Псковитянка». Летом этого же года он женится на пианистке Надежде Пургольд.
В 1870-е годы границы музыкальной деятельности Римского-Корсакова расширились: начиная с 1871 года он стал профессором Санкт-Петербургской консерватории, где преподавал классы практического сочинения, инструментовки и оркестровый; с 1873 по 1884 год он инспектор духовых оркестров Морского ведомства, с 1874 по 1881 — директор Бесплатной музыкальной школы. Начиная с 1874 года композитор занялся дирижированием — сначала симфонических концертов, а затем и оперных спектаклей.
В середине 1870-х Римский-Корсаков работал над совершенствованием своей композиторской техники. Именно в этот период он обнаруживает серьёзные недостатки в своём музыкальном образовании и сам начинает изучать дисциплины, преподаваемые в консерватории. Итогом совершенствования композиторской техники стала Третья симфония (до мажор, op. 32).
Похороны Римского-Корсакова. Похоронная процессия на Вознесенском проспекте
В 1880-е годы композитор создаёт такие симфонические сочинения, как оркестровая сюита «Шехеразада», «Испанское каприччио», увертюра «Светлый праздник».
Начиная с 1882 года Римский-Корсаков возглавлял Беляевский кружок, в 1883—1894 годах он также был помощником управляющего Придворной певческой капеллы.
В начале 1890-х годов был некоторый спад творческой деятельности композитора: в этот период он изучал философию, писал статьи, а также пересмотрел и отредактировал некоторые из своих прежних сочинений. Затем его творчество приобрело исключительную интенсивность: одна за другой из-под пера композитора появляются оперы «Ночь перед Рождеством» (1895), «Садко» (1896), «Моцарт и Сальери» (1897), пролог к опере «Псковитянка» и «Царская невеста» (по Мею, 1898).
Во время революционых событий 1905—1907 годов Римский-Корсаков выступил с активной поддержкой требований бастующих студентов и открыто осудил действия администрации Петербургской консерватории: он уволился и вернулся в консерваторию лишь после предоставления ей частичных автономных прав и смены руководства.
Умер 8 [21] июня 1908 года в Любенске, в своей загородной усадьбе, где теперь находится мемориальный музейный комплекс композитора, объединяющий в себе две реконструированные усадьбы — дом в Любенске и соседнее имение Вечаша, где композитор жил до 1907 года.
WIKI

0

8

http://s019.radikal.ru/i632/1410/72/4d572d2ac186.jpg

Жозе́ф Мори́с Раве́ль (фр. Joseph Maurice Ravel, 7 марта 1875 — 28 декабря 1937) — французский композитор-импрессионист, дирижёр, один из реформаторов музыки XX века.
Морис Равель родился 7 марта 1875 года в городе Сибур на юге Франции (ныне департамент Атлантические Пиренеи). В 1882 году начал заниматься фортепиано у Анри Гиза, с 1887 года занимался гармонией у Шарля Рене. Город Сибур находился на самой границе с Испанией, где в это время служил его отец инженер-путеец, страстный любитель музыки, прививший эту любовь своему сыну. В 1889 году Равель поступил в Парижскую консерваторию, которую закончил по классу фортепиано. Молодому музыканту очень много помогал его учитель Шарль де Берио, известный пианист того времени. Однако интерес к импровизации, созданию композиции появился у Равеля после знакомства с творчеством «подпольного» родоначальника музыкального импрессионизма и просто экстравагантного композитора Эрика Сати, а также личной встречи с другим композитором и пианистом Рикардо Виньесом. Именно после этого у Мориса появилась страсть к сочинительству. Спустя двадцать и тридцать лет, несмотря на сложные личные отношения, Равель неоднократно подчёркивал, сколь многим в своём творчестве он обязан Сати и называл его не иначе, как своим «Предтечей» или «Прекурсором».
На последнем году обучения он попал в класс к крупному французскому композитору Габриэлю Форе. По его инициативе Равель сочинил цикл произведений на испанские мелодии — «Хабанеру», «Павана на смерть инфанты», «Старинный менуэт». После окончания консерватории в 1900—1914 годах он пишет множество сочинений.
Как и у большинства новаторов, творчество Мориса Равеля некоторое время не было признано в профессиональных академических кругах. Так, Морис Равель целых три раза подряд участвовал в конкурсе на получение Римской Премии: в 1901, 1902 и 1903 году. Первый раз он проиграл состязание Андре Капле (получив так называемую «Малую римскую премию»), второй раз — ученику профессора Шарля Леневе Эме Кунцу, и наконец, в третий раз его обошёл Рауль Лапарра, также ученик Леневе. В 1904 году Равель уже сознательно воздерживается от участия в конкурсе, чтобы собраться с силами для последней попытки. Это был последний возможный для него год, поскольку в дальнейшем он уже не мог претендовать на соискание премии ввиду того, что приближался к установленному для участников конкурса предельному возрасту — тридцати годам. Наконец, в 1905 году Морис Равель, уже широко исполняемый и известный в Париже музыкант-новатор (по совету симпатизировавшего ему Габриэля Форе) в последний раз просит допустить его к участию в конкурсе.
И вот, в результате этого, четвёртого и последнего выдвижения разразилось так называемое «скандальное дело Равеля», немало укрепившее славу молодого музыканта и одновременно, покрывшее исторической позолотой французских академиков от музыки… В ответ на свою заявку Морис Равель получает уклончивый официальный отказ в допущении к конкурсу с формальной ссылкой на возрастные ограничения (которые к тому моменту ещё не наступили). Таким образом, Морис Равель не смог поставить свой возрастной рекорд получения Римской Премии (и стать «самым старым» лауреатом, в противовес члену жюри и самому молодому лауреату Эмилю Паладилю). Равель не стал самым старшим (или старым) лауреатом Римской Премии. Однако истинная причина недопущения его к конкурсу лежала, разумеется, не в возрасте, а в раздражении членов жюри его «разрушительной, антимузыкальной» деятельностью, вернее говоря, импрессионистской эстетикой его ярких произведений, к тому времени уже пользовавшихся известностью (к примеру, уже много раз была исполнена его знаменитая «Игра воды»).[1] Комментируя решение жюри, маститый академик Эмиль Паладиль ворчал: «Мсье Равель волен считать нас бездарными рутинёрами, но пусть не думает, что нас можно принимать за дураков…» Это решение Музыкального совета Академии искусств, в состав которого входили композиторы Ксавье Леру, Жюль Массне, Эмиль Паладиль, Эрнест Рейер, Шарль Леневе и директор консерватории Теодор Дюбуа, вызвало целую бурю негодования и протестов как среди музыкантов, так и около-музыкальной печати. Скандал приобрел особенно острый, «антикоррупционный» характер, когда кроме всего прочего выяснилось, что абсолютно все кандидаты на Большую Римскую Премию, допущенные к конкурсу 1905 года — являлись учениками одного и того же профессора — Шарля Леневе.
«Беспрецедентный цинизм жюри!», «Позорное решение пристрастных судей!» — примерно под такими заголовками большинство парижских газет напечатало возмущённые отклики композиторов, писателей, художников и просто любителей музыки. Сам Равель, впрочем, воспринял решение академиков внешне спокойно и почти не высказывался по этому поводу. Но известный музыкальный критик Жан Марнольд, все симпатии которого находились в сфере постепенно набирающего силу импрессионизма, выступил с разгромной статьёй, кончавшейся следующей гневной тирадой:
«…Ради будущего французской музыки пришло время наконец разогнать эту клику педантов, лицемеров и жуликов, этих трёх ослов — Паладиля, Дюбуа и Леневе!..»[2]
— (Jean Marnold, «le Temps», 15 mai 1905)
Набор трёх фамилий, названных Жаном Марнольдом по существу не был случайным, но представлял собой собрание трёх символов: «Академия, Консерватория и Профессура» — вечно противостоящих всему новому и живому в искусстве. Скандал получил настолько широкий общественный резонанс, что содействовал не только резкому повышению авторитета и популярности самого Мориса Равеля, но и некоторому обновлению музыкальной жизни Парижа. В результате — многолетний директор консерватории, консерватор и ретроград Теодор Дюбуа был вынужден уйти со своего поста. На его место был назначен Габриэль Форе. Этим было положено начало нового времени в парижской консерватории, несколько освежившей затхлую атмосферу этого учреждения и одновременно встряхнувшей музыкальную жизнь Парижа.[2]
Весной 1905 года, после «скандального дела Равеля» в жизни композитора прошла строгая черта. Равель окончательно порвал с консерваторией и академическими кругами. Не допущенный к конкурсу, он, тем не менее, вышел победителем в глазах всего музыкального и интеллектуального общества. К нему приковано всеобщее внимание, его известность возрастает буквально с каждым днём, его сочинения издаются нарасхват, исполняются в концертах, о нём говорят и спорят. Впервые Равель становится вторым лидером музыкального импрессионизма и выходит на одну высоту с Клодом Дебюсси, композитором, которого он прежде всегда уважал.
В первый же месяц войны с Германией Морис Равель попал в число мобилизуемых в действующую армию. Однако, несмотря на хорошее состояние здоровья, медицинская комиссия не приняла его ни в один род войск. Причиной тому был слишком маленький рост Равеля, не подходивший ни под один из армейских стандартов, и, как следствие, явно недостаточный для солдата вес тела.[3] В течение трёх месяцев Равель, используя все свои связи, упорно добивался, чтобы его всё же приняли в действующую армию. В конце концов, в октябре 1914 года он добился своего и был принят добровольцем в автомобильный дивизион, где и прослужил шофёром грузовика чуть более трёх лет, сначала при инфантерии, а потом при авиационном полку. В начале 1918 года, совершенно подорвав на службе своё здоровье, он был комиссован по болезни. Патриотический порыв Равеля уже после войны не раз служил предметом для ехидных подтруниваний его вечного «учителя» и соперника, Эрика Сати, поскольку оба они, и Равель, и Сати относились к государству чрезвычайно недоверчиво и скептически:
«Итак, не сомневайтесь, это дело решённое: …в будущую войну Равель будет ещё и авиатором — на грузовом автомобиле, разумеется…»[4]
— ( Эрик Сати, «Тетради млекопитающего», L’Esprit noveau, apr.1921.)
После войны в музыке Равеля стало преобладать эмоциональное начало. Поэтому от сочинения опер он переходит к созданию инструментальных пьес и пишет сюиту «Гробница Куперена». Примерно в это же время Морис Равель знакомится со знаменитым русским продюсером и постановщиком С. Дягилевым, ставящим в Париже «Русские сезоны». Специально по его заказу ставится балет на музыку Равеля «Дафнис и Хлоя», в главной партии — В. Нижинский — великий русский танцовщик. Затем будет поставлен ещё один балет, «Вальс». Сочинение после премьеры стало использоваться как отдельное произведение. Наступает время рассвета славы Мориса Равеля.
Однако популярность и известность гнетут композитора, и он переезжает из Парижа в местечко Монфор-Ламори, что в принципе не означает отказ от дальнейшей музыкальной деятельности.
Равель много гастролирует: выступает с турами в Италии, Голландии и Англии. И всюду его встречал восторженный приём благодарных почитателей. По заказу русского дирижёра С. Кусевицкого Равель выполняет оркестровку «Картинок с выставки» М. П. Мусоргского. Всё это происходит во время работы Мориса над самым известным его произведением «Болеро». В нём композитор пытался соединить классические традиции с ритмами испанской музыки. Замысел этого произведения принадлежит знаменитой балерине Иде Рубинштейн.
Сорасположенность частей, их строгая последовательность в развитии главной темы позволили передать танцевальную стихию испанской музыки. Знаменитая русская балерина Анна Павлова включила «Болеро» в свой репертуар.
В 1925 году М. Равель завершил работу над новаторским произведением «Дитя и чудеса (волшебство)». Оно было названо оперой-балетом.
Почётный доктор музыки Оксфордского университета (1929).
В 1932 году Равель вновь совершает турне по Европе вместе с выдающейся пианисткой Маргаритой Лонг. В это же время он начинает работать над новым произведением — балетом «Жанна д’Арк». Однако попадает в автомобильную катастрофу, и работа прекращается.
Начиная с 1933 года Равель страдал от серьёзного неврологического заболевания, ставшего, возможно, последствием черепно-мозговой травмы, которую он получил в автокатастрофе. Последним произведением тяжело больного композитора были «Три песни» к первому звуковому фильму «Дон Кихот». Они были написаны для русского певца Ф. И. Шаляпина.
Композитор умер 28 декабря 1937 года в Париже после неудачно проведённой операции на головном мозге, предпринятой с целью лечения афазии. Похоронен на кладбище парижского пригорода Леваллуа-Перре.
Wiki

0

9

http://sa.uploads.ru/ZEDUo.jpg

Лэндон Роналд Расселл, англ. Landon Ronald Russell; 7 июня 1873, Лондон — 14 августа 1938, там же) — британский дирижёр, пианист и композитор еврейского происхождения.
Первые уроки фортепиано ему дала мать; затем учился частным образом у Кейт Лодер[en] (композиция), Франклина Тейлора (фортепиано) и Генри Холмса[en] (скрипка).
3 мая 1887 г. поступил в Королевский колледж музыки, где продолжал учиться у Ф.Тейлора, Г.Холмса, Хьюберта Пэрри (композиция) и Фредерика Бриджа[en] (контрапункт). 25 марта 1891 оставил колледж без формальной квалификации[1].
В 1890 году дебютировал и как дирижёр (в Лирическом театре Лондона[en])[2], и как пианист; в 1891 г. был приглашён на сезон в Итальянскую оперу Августа Харриса[en] на сцене Ковент-Гардена[2][3][4]. В 1894 г. аккомпанировал певице Нелли Мельба в её американском турне. В 1896 г. дирижировал «Фаустом» Ш.Гуно в Ковент-Гардене и оперой в Королевском театре Друри-Лейн.
С 1900 г. штатный пианист одной из первых британских фирм звукозаписи «Gramophone & Typewriter Ltd.» (позднее преобразованной в His Master's Voice), сопровождал, в частности, записи Аделины Патти и Нелли Мельба. В 1904—1907 гг. — приглашённый дирижёр Лондонского симфонического оркестра[2][5]. С 1905 г. — также директор Бирмингемских променад-концертов[6]. В 1908—1909 годах гастролировал в Европе как дирижёр[3]. С 1909 г. руководил Новым симфоническим оркестром (с 1915 — Симфонический оркестр Альберт-холла) вплоть до его роспуска в 1928 г.[2], в 1916—1926 гг. главный дирижёр Шотландского оркестра. Сотрудничал также с Лондонским филармоническим, Бирмингемским симфоническим оркестрами, с оркестром Томаса Бичема.
Считался специалистом по музыке Эдуарда Элгара, посвятившего Роналду Симфонический этюд «Фальстаф» Op.68 (1913). Дирижировал премьерой его Симфонии № 1 (Рим, 1909)[2], исполнил фортепианную партию на премьере его скрипичной Сонаты ми минор — с Уильямом Ридом[en] (1919)[7].
С 1910 г. до конца жизни руководил Гилдхоллской школой музыки. Преобразованием учебного плана, управления школой, методов обучения и моральной атмосферы заметно повысил статус школы.
В 1922 г. был возведён в рыцарское достоинство.
Умер от рака в своём доме (34 Варвик-Авеню, Пэддингтон, Лондон). 17 августа 1938 г. кремирован в Голдерс Грин.
WIKI

0

10

Eric Nathan Robertson (born 6 April 1948) is a Scottish composer, organist, pianist, and record producer who has been primarily active in Canada. A two time Gemini Award winner, he has composed more than 60 film scores and written music for a number of television series in Canada and the United States. He has also written a considerable amount of choral and organ music, sometimes with instrumental or symphonic accompaniment. His works display a strong influence of Ralph Vaughan Williams, Charles Wood, and William O. Minay, the latter of whom he studied with for over 30 years. He has also produced and played on numerous commercial albums by a variety of artists and released several of his own albums of popular songs and film themes under the name Magic Melodies.
Born in Edinburgh, Robertson began his musical training in organ, piano and music theory in his native city where he was a pupil of E. Francis Thomas, Eric Reid, and William O. Minay. In 1963, at the age of 15, he entered The Royal Conservatory of Music (RCM) in Toronto, Canada where he was a student of Charles Peaker (organ) and Samuel Dolin (music composition). He graduated with an associate degree from the RCM in 1966. In 1969, he was made a Fellow of the Royal Canadian College of Organists. He also continued his studies with Minay up into the 1990s through annual trips back to Edinburgh.
Robertson began his professional music career as a teenager while a student at the RCM; serving as the music director at St John's Lutheran Church in Toronto and playing the organ in the Toronto R&B band Majestics. He soon began composing music for both the church and the recording studio, was active as a studio musician, and a frequent recitalist on CBC Radio; pursuits that he has continued in throughout his career. In 1966, he became the organist/choirmaster of Humbercrest United Church, leaving there in 1990 to assume a similar post at St. Paul's, Bloor Street where he remained until 2009.
As a record producer, Robertson has produced and played on recordings by artists like Liona Boyd, Moe Koffman, Nana Mouskouri, and Roger Whittaker among others. He has also recorded several of his own albums of popular songs and movie themes under the name Magic Melodies, the first of which sold 300,000 copies in Canada and more than 1.25 million copies internationally. In 1978, he became music director for the CBC Television program The Tommy Hunter Show.
Robertson began his work as film score composer with the feature film A Quiet Day in Belfast (1974). He next composed the music for the television film The Insurance Man from Ingersoll (1975) and the television series Readalong (1976). He has remained active composing music for both the big screen and television. His feature film credits include Plague (1978), If You Could See What I Hear (1982), Spasms (1983), That's My Baby! (1984), Millennium (1989), Full Disclosure (2001), and Elliot Smelliot (2004) among others. He has composed music for television films like Shocktrauma (1982), A Muppet Family Christmas (1987), The Challengers (1990), Getting Married in Buffalo Jump (1990), and A Holiday to Remember (1995). He wrote the music for the television mini-series Rocket Science (2002) and for television series like Read All About It! (1979-1983), Street Legal (1987-1994), OWL/TV (1989-1994), and Black Harbour (1996-1999); the latter of which he was awarded his first Gemini Award for in 1996. He received his second Gemini Award in 2001 for the music for the documentary film Canada: A People's History and was most recently nominated for a Gemini in 2007 for the documentary Hockey: A People's History. He also composed the music for the animated series of Watership Down (1999-2001) and contributed music to a number of television specials featuring The Muppets.
Outside of television and film, Robertson is best known for his choral and organ compositions. His Four Songs of Remembrance (1983) for choir and orchestra was commissioned and recorded by the Orpheus Choir of Toronto and his choral work Another Spring (1988) was commissioned by the Guelph Spring Festival. His Jazz Magnificat (1985) was written for Ward Swingle and The Swingle Singers and his Variations on the 'Sussex Carol' was commissioned and recorded by the Elmer Iseler Singers. Also notable among his choral pieces is Prewett in Love (1988) which contains clarinet and piano accompaniment.
WIKI

0


Вы здесь » All Vinyl - Клуб меломанов. » Композиторы » Р - Композиторы


Рейтинг форумов | Создать форум бесплатно © 2007–2017 «QuadroSystems» LLC