All Vinyl - Клуб меломанов.

Информация о пользователе

Привет, Гость! Войдите или зарегистрируйтесь.


Вы здесь » All Vinyl - Клуб меломанов. » Композиторы » Д - Композиторы


Д - Композиторы

Сообщений 1 страница 10 из 12

1

http://s020.radikal.ru/i715/1307/5d/c0f7ba2f33be.jpg

Франческо Саверио Джеминиани правильнее Джеминьяни (итал. Francesco Saverio Geminiani, 5 декабря 1687, Лукка — 17 сентября 1762, Дублин) — итальянский скрипач, композитор, музыкальный теоретик.
Учился у Алессандро Скарлатти и Арканджело Корелли. С 1711 руководил оперным оркестром в Неаполе. В 1714 как скрипач-виртуоз приехал в Лондон. В 1715 исполнил свой скрипичный концерт перед королём Георгом, фортепианную партию исполнял Гендель. Помимо концертирования выступал в Англии как педагог, есть предположения, что среди его учеников была Э. де Гамбарини.
Известен циклами своих concerti grossi (в целом он написал 42 концерта) и трио сонатами (сохранились 24 такие сонаты). В 1751 опубликовал в Лондоне свой трактат Искусство игры на скрипке, в 1752 — трактат по гармонии Guida harmonica, в 1754 — Искусство аккомпанемента на клавесине, органе и др., в 1760 — Искусство игры на гитаре.

0

2

А́нтал До́рати (венг. Doráti Antal; 9 апреля 1906, Будапешт — 13 ноября 1988, Герцензее, округ Зефтиген, Швейцария) — венгерский и американский дирижёр и композитор, рыцарь Британской империи, кавалер ордена Британской империи.
Антал Дорати окончил Музыкальную академию имени Листа, где его педагогами были Золтан Кодаи и Лео Вайнер по композиции, Бела Барток и Арнольд Секей по фортепиано. Начал свою музыкальную карьеру коррепетитором в Королевской опере Будапешта. В период с 1924 по 1928 год работает вместе с Фрицем Бушем в Государственной опере Дрездена, с 1928 года — первый капельмейстер Городской сцены Мюнстера. С 1934 — музыкальный руководитель Русского балета Монте-Карло. В 1942—1945 годах работал в Американском театре балета. Гражданин США с 1947 г.
В дальнейшем Дорати в большей степени работал как оркестровый дирижёр. Он последовательно возглавлял Далласский симфонический оркестр (1945—1948), Симфонический оркестр Миннеаполиса (1949—1960), Симфонический оркестр Би-би-си (1963—1966), Стокгольмский филармонический оркестр (1966—1970), Национальный симфонический оркестр США (1970—1977), Детройтский симфонический оркестр (1977—1981) и Королевский филармонический оркестр в Лондоне (1975—1979). Дорати также много работал с оркестром Philharmonia Hungarica и был избран его почётным президентом.
В 1949 году он дирижировал при первом исполнении законченного венгерским композитором Тибором Шерли концерта для альта с оркестром Белы Бартока. Выпустил многочисленные записи произведений классической музыки, в том числе все 108 симфоний Йозефа Гайдна, произведения Белы Бартока и Золтана Кодая. Дорати был первым дирижёром, записавшим (в 1954 г.) музыку всех трёх балетов Петра Ильича Чайковского («Лебединое озеро», «Спящая красавица» и «Щелкунчик»). В 1983 был награждён Елизаветой ІІ орденом Британской империи.
Дорати известен также и как композитор. Ему принадлежат две симфонии, ряд пьес для гобоя соло и в ансамбле, драма для чтеца, хора и оркестра «Иисус или Варавва?» (нем. Jesus oder Barabbas?; 1987) и другие сочинения. В 1979 г. Дорати опубликовал книгу мемуаров «Заметки семи десятилетий» (англ. Notes of Seven Decades).
WIKI

0

3

http://s020.radikal.ru/i717/1404/a2/9097befcadd8.jpg

Эрнё Донаньи (венг. Ernő Dohnányi [ˈɛrnø ˈdohnaːɲi]; 27 июля 1877, Братислава, Австро-Венгрия — 9 февраля 1960, Нью-Йорк, США) — венгерский композитор, пианист и дирижер.
Родился в городе По́жонь (венг. Pozsony) Королевства Венгрии, Австро-Венгерской империи (сегодня Братислава, столица Словакии). Обучение музыке начал в 6 лет под руководством своего отца, профессора математики и виолончелиста-любителя. В 1885—1893 учился игре на фортепиано и органе у Карла Форстнера (венг. Forstner Károly), органиста кафедрального собора в Пожони (у него же позже изучал гармонию). В 1886 г. поступил в гимназию. В том же году, 3 ноября, в гимназии состоялось его первое публичное выступление — он участвовал в исполнении фортепианного квартета соль минор Моцарта. Первый сольный концерт Эрнст дал 28 декабря 1890 г. (Ноктюрн op.31 Шопена, Скерцо си минор Мендельсона, 8-я Рапсодия Листа и собственные сочинения — две фантазии и скерцо)[1]. В гимназические годы играл на органе в кафедральном соборе Пожони, в евангелической церкви в Брезнобанья и на субботних мессах в гимназии[2]. В 1893—1897 учился в Академии музыки в Будапеште у Иштвана Томана и Ганса фон Кёслера, где его одноклассником был Бела Барток. К этому времени относится первая публикация его произведения — Фортепианного квинтета до минор, заслужившего одобрение Иоганнеса Брамса. В 1897 брал уроки у Эжена д’Альбера.
Дебютировал как пианист в 1897 г. в Берлине и Вене. С успехом гастролировал в Западной Европе (1898—1905) и США (1899), в России (1907). В 1902 г. дебютировал как дирижёр исполнением своей увертюры Зриньи с Венским симфоническим оркестром[3]. В 1905—1915 гг. преподавал фортепиано в Высшей школе музыки (с 1908 профессор) в Берлине. В 1919 г., во время Венгерской советской республики, был директором Высшей школы музыкального искусства им. Листа в Будапеште, в 1919—1944 гг. — дирижёр Будапештского филармонического оркестра. В 1921—1927 гг. гастролировал в Европе и США в качестве пианиста и дирижёра, в том числе в авторских концертах; был главным дирижёром симфонического оркестра штата Нью-Йорк и приглашённым дирижёром оркестра Консертгебау (Амстердам)[4]. В 1928 г. дал свой 1500-й концерт[5].
С 1928 г. преподавал в Музыкальной академии Ференца Листа в Будапеште, в 1934—1943 — её директор. В 1933 г. организовал первый Международный фортепианный конкурс Ференца Листа[en][6][7]. В 1931—1944 гг. — музыкальный директор Венгерского радио; в 1943 г. создал симфонический оркестр Венгерского радио[8]. Отказался сотрудничать с режимом Миклоша Хорти (1921—1939) и критиковал его за связи с фашизмом. В 1944 г. в связи с арестом его сына Ганса[de], вовлечённого в заговор 20 июля, и будучи несогласным с изгнанием лиц еврейской национальности из музыкальной академии и оркестра, был лишён всех постов[4][6].
24 ноября 1944 г. покинул Венгрию с Илоной Захар (ставшей впоследствии его женой) и её двумя детьми от предыдущего брака; после кратковременного пребывания в Вене обосновался в Нойкирхене-на-Вальде (Верхняя Австрия). В июле 1945 г. был приглашён американской военной администрацией дирижировать Брукнеровским оркестром в Линце и затем получил ангажемент на Зальцбургский фестиваль 1945 года, который, впрочем, был отменён в августе по политическим мотивам[9]. 1 октября 1945 г. в радиосообщении BBC World Service был обвинён в том, что содействовал передаче гестапо венгерских артистов[6]. Несмотря на сообщение министра юстиции Венгрии об отсутствии Э.Донаньи в списке военных преступников, представители американской военной администрации не смогли предоставить ему защиту от обвинений «из-за его антирусской тенденции»[9]. В 1946 г. венгерское правительство официально внесло его в список преступников по причине его членства в венгерском сенате и потребовало от американской администрации его экстрадиции. В этом же году он узнал о гибели своих сыновей. В 1948 г. выехал в Аргентину[10]. С 1949 жил в США (получил гражданство в 1955[4]), был профессором композиции музыкальной школы[en] Флоридского государственного университета в Таллахасси. Умер в Нью-Йорке, когда записывал свой 2-й фортепианный концерт для лейбла Everest[4].
Среди его учеников в разные годы преподавания — Геза Анда, Анни Фишер, Борис Голдовский[en], Эдвард Киленьи[en], Георг Шолти, Ласло Халас, Дьёрдь Цифра, Эрнё Сегеди (венг. Ernö Szegedi), Кристоф Донаньи (внук), Балинт Важоньи[en][4][5].
В исполнительской деятельности Донаньи уделял большое внимание пропаганде музыки венгерских композиторов, в частности, Белы Бартока и Золтана Кодая; считался выдающимся интерпретатором Бетховена, Брамса, Шуберта и Листа.
Первое сочинение (Gebet, W001) написал в 7 лет; первое публичное исполнение его произведения — Мессы (W149) — состоялось 8 июня 1892 г. силами оркестра и хора Пожоньской гимназии под управлением отца, Э.Донаньи исполнял партию органа[11]. В творчестве был последователем поздней романтической традиции, особенно И.Брамса. В ряде его произведений нашли отражение элементы венгерской народной музыки, особенно в фортепианной сюите «Сельский праздник в Венгрии» («Ruralia hungarica», op. 32, 1926; части из неё позднее были оркестрованы).
Написал автобиографическое произведение «Послание потомкам» («Message to Posterity», ред. M. P. Парментер, 1960; со списком сочинений).
WIKI

0

4

http://s017.radikal.ru/i443/1406/95/79f54ecb1ca5.jpg

Доменико Гаэтано Мариа Донице́тти (итал. Domenico Gaetano Maria Donizetti; 29 ноября 1797, Бергамо, Ломбардия, — 8 апреля 1848, там же) — итальянский композитор.
Родители Доницетти были бедные люди: отец — сторож, мать — ткачиха. Его старшим братом был композитор Джузеппе Доницетти. В 9 лет Гаэтано поступил в Благотворительную музыкальную школу Симона Майра и стал там лучшим учеником. Майр всячески поддерживал юного музыканта, побуждая его посвятить себя профессиональной музыкальной карьере, и даже сочинил для этого оперу-пастиш «Маленький композитор» (итал. II piccolo compositore di musica; 1811), в которой сам Доницетти и несколько других учеников, в том числе ближайший друг Доницетти Антонио Дольчи, выведены под своими именами, а суть сюжета в том, что главный герой не желает отступать от своего пути; опера была поставлена силами самих учащихся[1]. Дальнейшее музыкальное образование Доницетти получил в Болонском музыкальном лицее (1815—1817) у С. Маттеи.
Первые его оперы — «Энрико, граф Бургундский» (1818) и «Ливонский плотник» (1819), — были хорошо приняты венецианской публикой, но дальнейшему его успеху долго мешала слава Россини и Винченцо Беллини. Правда, когда Беллини умер в 1835 году, Реквием для него был заказан не кому иному, как Доницетти.
Широкую известность он приобрёл лишь в 1831, после постановки в Милане оперы «Анна Болейн». В «Лючии ди Ламермур» его талант выразился с наибольшей силой.
В 1834—1839 годах — профессор консерватории в Неаполе (с 1837 — директор). После смерти Беллини Доницетти, не видя опасных конкурентов, создал целый ряд опер (8), не отличавшихся серьёзными достоинствами. С 1840 года Доницетти работал для Парижа. Хотя его «Дочь полка», «Полиевкт» и «Фаворитка» не сразу завладели вниманием парижан, но успех Доницетти, по прошествии некоторого времени, был обеспечен, особенно благодаря комической опере «Дон Паскуале» (1843). Это образцовое произведение было написано в 8 дней. В 40-х гг. работал также в Австрии (в 1842 г. получил звание австрийского придворного композитора). Для Вены Доницетти написал в то же время оперу «Линда ди Шамуни» (1842). Его последние оперы — «Мария ди Роган» (1843), «Катарина Корнаро» (1844) — не имели успеха.
Из-за психического расстройства после 1844 года Доницетти отошёл от музыки.
Творчество[править | править исходный текст]
В течение 26-летней композиторской деятельности Доницетти написал 74 оперы, много кантат, месс, псалмов и пр. Способность к быстрому сочинению была у Доницетти поразительная. Нормальному развитию его дарования мешала постоянная спешная и срочная работа; несмотря на это, его лучшие оперы принадлежат к шедеврам оперного искусства: «Любовный напиток», «Лючия ди Ламмермур», «Фаворитка», «Дон Паскуале» и др. Главные достоинства опер Доницетти — вдохновенные мелодии и драматическое чувство.
WIKI

0

5

http://se.uploads.ru/m5YH8.jpg

Поль Абраам Дюка́ (фр. Paul Abraham Dukas; 1 октября 1865, Париж — 17 мая 1935, там же) — французский композитор, музыкальный критик и педагог.
Дюка родился во франко-еврейской семье, с детства обучался игре на фортепиано, сочинять начал с 14 лет. Учился в Парижской консерватории у Теодора Дюбуа и Эрнеста Гиро. Первыми крупными сочинениями Дюка стали две увертюры, написанные в 1883 году. После ряда неудачных попыток получить Римскую премию молодой музыкант принял решение покинуть консерваторию и завершить карьеру композитора, занявшись музыкальной критикой. Отслужив в армии, Дюка, тем не менее, вернулся к сочинительству и возобновил занятия теорией музыки.
Успех пришёл к Дюка в 1892 году, когда в Париже была исполнена его увертюра «Полиевкт», в это же время публикуются его первые критические статьи. Другие известные сочинения 1890-х годов — Симфония C-dur и скерцо «Ученик чародея», написанное по мотивам одноимённой баллады Гёте и ставшее самым популярным произведением композитора. В обеих работах ярко проявилось композиторское мастерство Дюка, его живая, оригинальная оркестровка и самобытный стиль. Несмотря на успех своих сочинений, Дюка очень критично относился к ним и уничтожал рукописи, из-за чего многие из его работ этого времени не сохранились.
В начале XX века Дюка обратился к крупным сценическим работам: опере «Арианна и Синяя Борода» и балету «Пери», написанному для выдающейся балерины Натальи Трухановой и впервые поставленному в 1912 году. В дальнейшем музыкант переключился на преподавательскую и критическую работу и больше не сочинил ни одного крупного произведения, а все существовавшие наброски уничтожил.
С начала 1920-х годов Дюка занимался проблемами музыкального образования во французских провинциях, а в 1928 году получил место профессора класса композиции в Парижской консерватории. Среди его учеников — Оливье Мессиан, Хоакин Родриго, Морис Дюрюфле и многие другие известные впоследствии композиторы. Дюка умер в Париже, похоронен на кладбище Пер-Лашез.
Во Франции издательством Фаярд (Fayard), в 2007 году, была издана книга «Поль Дюка» («Paul Dukas»), написанная французскими музыковедами Симоном-Пьером Перре (Simon-Pierre Perret) и Мари-Лор Раго (Marie-Laure Ragot) и посвященная жизни и творчеству композитора. В России исследованием жизни и творчества Поля Дюка занимается дирижер Михаил Асташев-Гришевский.
WIKI

0

6

http://se.uploads.ru/muoHY.jpg

Алекса́ндр Серге́евич Даргомы́жский (2 (14) февраля 1813, село Троицкое, Белёвский уезд, Тульская губерния — 5 (17) января 1869, Санкт-Петербург) — русский композитор, чьё творчество оказало существенное влияние на развитие русского музыкального искусства XIX века. Один из наиболее заметных композиторов периода между творчеством Михаила Глинки и «Могучей кучки», Даргомыжский считается основоположником реалистического направления в русской музыке, последователями которого явились многие композиторы последующих поколений.[1]
Александр Даргомыжский родился 2 февраля (по нов.ст.14 февраля) 1813 года в селе Троицком Белевского уезда (ныне Арсеньевский район)Тульской губернии. В 1866г. в своей автобиографии сам композитор лишь указал, что он родился в деревне, не указав её название и географическую принадлежность[2].Однако А.Луковкин пришёл к выводу, что во время рождения будущего композитора в Белевском уезде ещё не существовало села с таким названием - Троицкое. Исследователь установил, что Александр Даргомыжский появился на свет в сельце Воскресенское (приход села Старый Роскотец, ныне Архангельское) Чернского уезда Тульской губернии[ [3]]. Его отец, Сергей Николаевич, был внебрачным сыном богатого помещика Алексея Петровича Ладыженского,который и владел имением в Чернском уезде.Вскоре после рождения (в 1789 году) Сергей был взят на воспитание и, в конечном счёте, усыновлён полковником Николаем Ивановичем Боучаровым (1749-1794 гг.), который привёз его в своё имение Даргомыжка в Белёвском уезде Тульской губернии.В итоге сын А.П. Ладыженского стал Сергеем Николаевичем Даргомыжским (новую фамилию он получил по названию имения отчима Н.И.Боучарова). Такая смена фамилии потребовалась для поступления в Благородный пансион при Московском университете[3]. Мать, урождённая княжна Мария Борисовна Козловская, сестра знаменитого остряка Петра Козловского, вышла замуж против воли родителей. По сведениям музыковеда М. С. Пекелиса княжна М. Б. Козловская унаследовала от своего отца (деда композитора) родовое смоленское имение Твердуново, ныне в Вяземском районе Смоленской области. Документально установлено, что до Отечественной войны 1812 г. дер.Твердуново принадлежала князьям Козловским[4]. В том же 1813 году, после изгнания из России наполеоновской армии и через несколько месяцев после рождения сына Александра, семья Даргомыжских вернулась из Тульской губернии на Смоленщину. В семейном имении Твердуново Александр Даргомыжский провёл первые 3,5 года своей жизни. В мае 1816г. семья Даргомыжских переехала в Смоленск, а в конце 1817г. в Петербург. Но впоследствии в родительское имение Твердуново композитор неоднократно приезжал: в конце 1840 — середине 1850 — х годов, во время работы над оперой «Русалка». В эти годы он изучал смоленский фольклор, поэтому в эту знаменитую оперу он включил несколько народных смоленских мелодий. В июне 1861 года прибыв из Петербурга в Твердуново А.С.Даргомыжский первым в Смоленской губернии освободил от крепостной зависимости своих смоленских крестьян, причём на самых выгодных для них условиях[[5]]. До пятилетнего возраста мальчик не разговаривал, его поздно сформировавшийся голос остался навсегда высоким и чуть хрипловатым, что не мешало ему, однако, впоследствии трогать до слёз выразительностью и художественностью вокального исполнения[6]. В 1817 году семья переселилась в Петербург, где отец Даргомыжского получил место правителя канцелярии в коммерческом банке, а сам он начал получать музыкальное образование. Первой его учительницей по фортепиано была Луиза Вольгеборн, затем он начал заниматься с Адрианом Данилевским. Тот был хорошим пианистом, однако не разделял интереса юного Даргомыжского к сочинению музыки (сохранились его небольшие фортепианные пьесы этого периода). Наконец, в течение трёх лет учителем Даргомыжского был Франц Шоберлехнер, ученик известного композитора Иоганна Гуммеля[7]. Достигнув определённого мастерства, Даргомыжский начал выступать как пианист на благотворительных концертах и в частных собраниях. В это время он также занимался у известного учителя пения Бенедикта Цайбига, а с 1822 года осваивал игру на скрипке, играл в квартетах, однако вскоре потерял интерес к этому инструменту. К тому времени он уже написал ряд фортепианных сочинений, романсов и других произведений, некоторые из которых были изданы.
Осенью 1827 года Даргомыжский, следуя по стопам отца, поступил на государственную службу и благодаря трудолюбию и добросовестному отношению к делу быстро начал продвигаться по карьерной лестнице. В этот период он нередко музицировал дома и посещал оперный театр, основой репертуара которого были сочинения итальянских композиторов. Весной 1835 года он познакомился с Михаилом Глинкой, с которым играл на фортепиано в четыре руки, занимался анализом творчества Бетховена и Мендельсона. Глинка также передал Даргомыжскому конспекты уроков теории музыки, которые он получал в Берлине от Зигфрида Дена. Побывав на репетициях готовившейся к постановке оперы Глинки «Жизнь за царя», Даргомыжский задумал самостоятельно написать крупное сценическое произведение. Выбор сюжета пал на драму Виктора Гюго «Лукреция Борджиа», однако создание оперы продвигалось медленно, и в 1837 году, по совету Василия Жуковского, композитор обратился к другому сочинению того же автора, которое в конце 1830-х было весьма популярно в России — «Собор Парижской Богоматери». Даргомыжский использовал оригинальное французское либретто, написанное самим Гюго для Луизы Бертен, чья опера «Эсмеральда» была поставлена незадолго до того. К 1841 году Даргомыжский закончил оркестровку и перевод оперы, для которой также взял название «Эсмеральда», и передал партитуру в дирекцию Императорских театров. Опера, написанная в духе французских композиторов, ждала своей премьеры несколько лет, так как намного большей популярностью у публики пользовались итальянские постановки. Несмотря на хорошее драматическое и музыкальное решение «Эсмеральды», эта опера через некоторое время после премьеры сошла со сцены и в дальнейшем практически никогда не ставилась. В автобиографии, помещённой в газете «Музыка и Театр», издававшейся А. Н. Серовым в 1867 году, Даргомыжский писал[8]:
Эсмеральда пролежала у меня в портфеле целые восемь лет. Вот эти-то восемь лет напрасного ожидания и в самые кипучие годы жизни легли тяжёлым бременем на всю мою артистическую деятельность.
Переживания Даргомыжского по поводу неудачи «Эсмеральды» усугублялись ещё и растущей популярностью работ Глинки. Композитор начинает давать уроки пения (его ученицами были исключительно женщины, при этом он не брал с них платы[9]) и пишет ряд романсов для голоса и фортепиано, некоторые из которых были изданы и стали весьма популярными, например «В крови горит огонь желанья…», «Влюблён я, дева-красота…», «Лилета», «Ночной зефир», «Шестнадцать лет» и другие.
В 1843 году Даргомыжский уходит в отставку, а вскоре уезжает за границу, где несколько месяцев проводит в Берлине, Брюсселе, Париже и Вене. Он знакомится с музыковедом Франсуа-Жозефом Фети, скрипачом Анри Вьётаном и ведущими европейскими композиторами того времени: Обером, Доницетти, Галеви, Мейербером. Вернувшись в 1845 году в Россию, композитор увлекается изучением русского музыкального фольклора, элементы которого ярко проявились в романсах и песнях, написанных в этот период: «Душечка-девица», «Лихорадушка», «Мельник», а также в опере «Русалка», которую композитор начал писать в 1848 году.
«Русалка» занимает в творчестве композитора особое место. Написанная на сюжет одноимённой трагедии в стихах А. С. Пушкина, она создавалась в период 1848—1855 годов. Даргомыжский сам адаптировал пушкинские стихи в либретто и сочинил окончание сюжета (у Пушкина произведение не окончено). Премьера «Русалки» состоялась 4 (16) мая 1856 года в Петербурге. Крупнейший русский музыкальный критик того времени Александр Серов отозвался на неё масштабной положительной рецензией в «Театральном музыкальном вестнике» (её объём был столь велик, что она была напечатана по частям в нескольких номерах), что помогло этой опере некоторое время держаться в репертуаре ведущих театров России и добавило творческой уверенности самому Даргомыжскому.
Через некоторое время Даргомыжский сближается с демократическим кружком писателей, принимает участие в издании сатирического журнала «Искра», пишет несколько песен на стихи одного из главных его участников, поэта Василия Курочкина.
Памятник на могиле А. С. Даргомыжского на Тихвинском кладбище Александро-Невской лавры (Санкт-Петербург)
В 1859 году Даргомыжского избирают в руководство только что основанного Русского музыкального общества, он знакомится с группой молодых композиторов, центральной фигурой среди которых был Милий Балакирев (эта группа позднее станет «Могучей кучкой»). Даргомыжский задумывает написать новую оперу, однако в поисках сюжета отвергает сначала «Полтаву» Пушкина, а затем и русскую легенду о Рогдане. Выбор композитора останавливается на третьей из «Маленьких трагедий» Пушкина — «Каменном госте». Работа над оперой, тем не менее, идёт довольно медленно из-за начавшегося у Даргомыжского творческого кризиса, связанного с выходом из репертуара театров «Русалки» и пренебрежительным к себе отношением более молодых музыкантов. Композитор вновь едет в Европу, посещает Варшаву, Лейпциг, Париж, Лондон и Брюссель, где с успехом исполняются его оркестровая пьеса «Казачок», а также фрагменты из «Русалки». Одобрительно отзывается о творчестве Даргомыжского Ференц Лист.
Вернувшись в Россию, вдохновлённый успехом своих сочинений за границей, Даргомыжский с новыми силами берётся за сочинение «Каменного гостя». Язык, который он выбрал для этой оперы — почти полностью построенный на мелодических речитативах с простым аккордовым сопровождением — заинтересовал композиторов «Могучей кучки», и в особенности Цезаря Кюи, искавшего в то время пути для реформирования русского оперного искусства. Однако назначение Даргомыжского на пост руководителя Русского Музыкального общества и провал оперы «Торжество Вакха», написанной им ещё в 1848 году и не видевшей сцены почти двадцать лет, ослабили здоровье композитора, и 5 (17) января 1869 года он умер, оставив оперу неоконченной. По его завещанию[10], «Каменный гость» был завершён Кюи и оркестрован Римским-Корсаковым.
Новаторство Даргомыжского не разделялось его младшими коллегами, и снисходительно считалось оплошностями. Гармонический словарь стиля позднего Даргомыжского, индивидуализированная структура созвучий, их типическая характерность были, как на древней фреске, записанной позднейшими наслоениями, до неузнаваемости «облагорожены» редакцией Римского-Корсакова, приведены в соответствие с требованиями его вкуса, подобно операм Мусоргского «Борис Годунов» и «Хованщина», также кардинально отредактированным Римским-Корсаковым[11].
Даргомыжский похоронен в Некрополе мастеров искусств Тихвинского кладбища, неподалёку от могилы Глинки.
WIKI

0

7

http://s010.radikal.ru/i314/1410/41/cff6603a45d0.jpg

Антон Диабелли (5 сентября 1781 — 7 апреля 1858) — австрийский композитор, редактор и издатель музыкальных произведений. При жизни более известный как издатель, сегодня его в первую очередь помнят как композитора вальса, на который Людвиг ван Бетховен написал свой набор из тридцати трёх «Вариаций Диабелли».
Родился в Матзее около Зальцбурга. Способности к музыке имел с детства, пел в хоре мальчиков Зальцбурга и, возможно, брал уроки музыки у Михаэля Гайдна. К девятнадцати годам Диабелли уже был автором нескольких композиций, в том числе шести месс. Он, однако, обучался на священника и в 1800 году перешёл в монастырь в Баварии, где оставался до 1803 года, когда все монастыри в этой стране были закрыты.
В 1803 году переехал в Вену и начал преподавать игру на фортепиано и гитаре, устроившись также работать корректором в музыкальное издательство. В 1809 году сочинил оперетту, в 1817 году начал своё дело по изданию музыкальных произведений, а спустя год основал издательскую фирму вместе с Пьетро Каппи, которая вскоре стала очень известна как в широких кругах, поскольку издавала музыкальные произведения, которые многие могли играть у себя дома, так и в профессиональных. В 1824 году партнёрство Диабелли и Каппи было прекращено, и Диабелли создал собственный издательский дом, который продолжал расширять до выхода в отставку в 1851 году. Умер в Вене.
Творческое наследие Диабелли включает одну оперетту (Adam in der Klemme), ряд месс и песен и большое количество произведений для фортепиано и гитары. Он также известен как крупнейший издатель произведений Шуберта.
WIKI

0

8

http://s017.radikal.ru/i407/1502/e1/daedab4142cd.jpg

Ашиль Клод Дебюсси́ (фр. Achille-Claude Debussy [aʃil klod dəbysi]) (22 августа 1862 года, Сен-Жермен-ан-Ле, департамент Ивелин, — 25 марта 1918 года, Париж) — французский композитор, музыкальный критик.
Музыку этого композитора относят к импрессионизму. Сам же он этот термин никогда не любил.[1] Дебюсси был не только одним из самых значительных французских композиторов, но также одной из самых значительных фигур в музыке на рубеже XIX и XX веков; его музыка представляет собой переходную форму от поздней романтической музыки к модернизму в музыке XX столетия.
Родился 22 августа 1862 года в Сен-Жермен-ан-Ле (пригород Парижа) в семье мелкого торговца — владельца небольшой посудной фаянсовой лавки. Когда Клоду исполнилось два года, его отец продал свой магазинчик, и вся семья переехала в Париж, где Дебюсси-старший устроился на работу бухгалтером в частной фирме.[2] В Париже и прошло почти всё детство Клода Дебюсси за вычетом времени Франко-прусской войны, когда мать будущего композитора уехала вместе с ним в Канны, подальше от военных действий. Именно в Каннах юный Клод в 1870 году начал брать первые уроки фортепиано; по возвращении в Париж занятия продолжились под руководством Антуанетты Моте де Флёрвиль, тёщи поэта Поля Верлена, к тому же — называвшей себя ученицей Фредерика Шопена.
В 1872 году, в возрасте десяти лет, Клод поступил в Парижскую консерваторию. В классе фортепиано он занимался у известного пианиста и педагога Антуана Мармонтеля, в классе начального сольфеджио — у именитого традиционалиста Альбера Лавиньяка, а орган ему преподавал сам Сезар Франк. В консерватории Дебюсси учился довольно успешно, хотя как ученик ничем особенным не блистал. Только в 1877 году профессура оценила фортепианный талант Дебюсси, присвоив ему вторую премию за исполнение сонаты Шумана. Пребывание в классе гармонии и аккомпанемента Эмиля Дюрана и вовсе привело к открытому конфликту между учеником и педагогом. Верный школьному учебнику гармонии, Дюран никак не мог смириться даже с самыми скромными экспериментами своего ученика. Не забыв о своих стычках с педагогом, спустя много лет Дебюсси писал об этом эпизоде своего обучения: «Гармония в таком виде, как её преподают в консерватории, представляет собой напыщенно-смешной способ сортировки звуков».[2]
Систематически изучать композицию Дебюсси начал только с декабря 1880 года у профессора, члена Академии Изящных Искусств, Эрнеста Гиро. За полгода до поступления в класс Гиро Дебюсси совершил путешествие по Швейцарии и Италии в качестве домашнего пианиста и учителя музыки в семье богатой русской меценатки Надежды фон Мекк. Лето 1881 и 1882 годов Дебюсси и вовсе провёл под Москвой, в её имении Плещеево.[2] Общение с семьёй фон Мекк и пребывание в России благотворно повлияло на развитие молодого музыканта. В её доме Дебюсси познакомился с новой русской музыкой Чайковского, Бородина, Балакирева и близких к ним композиторов. В ряде писем фон Мекк к Чайковскому иногда упоминался некий «милый французик», который с восхищением отзывается о его музыке и превосходно читает партитуры. Вместе с фон Мекк Дебюсси посетил также Флоренцию, Венецию, Рим, Москву и Вену, где впервые услышал музыкальную драму «Тристан и Изольда», на добрый десяток лет ставшую предметом его восхищения и даже поклонения.[2] Эту равно приятную и выгодную работу молодой музыкант потерял в результате некстати обнаружившейся влюблённости в одну из многочисленных дочерей фон Мекк.
Вернувшись в Париж, Дебюсси в поисках заработка поступил аккомпаниатором в вокальную студию мадам Моро-Сенти, где и познакомился с богатой певицей-любительницей и меломанкой мадам Ванье. Она значительно расширила круг его знакомств и ввела Клода Дебюсси в круги парижской художественной богемы. Для Ванье Дебюсси сочинил несколько изысканных романсов, среди которых оказались такие шедевры как «Мандолина» и «Под сурдинку».[2]
Одновременно Дебюсси продолжал свои занятия в консерватории, пытаясь добиться признания и успеха также среди своих коллег, академических музыкантов. В 1883 году Дебюсси получил вторую Римскую премию за кантату «Гладиатор». Не остановившись на достигнутом, он продолжил свои усилия в этом направлении и, год спустя, в 1884 году, получил Большую Римскую Премию за кантату «Блудный сын» (фр. L’Enfant prodigue). По странности столь же трогательной, сколь и неожиданной, это случилось благодаря личному вмешательству и доброжелательной поддержке Шарля Гуно. В противном случае Дебюсси наверняка не получил бы эту картонную профессиональную корону всех академиков от музыки — этот своеобразный аттестат происхождения, просвещения и подлинности первой степени, как позднее шутливо называли между собой Римскую премию Дебюсси и его приятель, Сати.[3]
В 1885 году, с крайней неохотой и опоздав на два месяца (что было серьёзным нарушением), Дебюсси всё же отправился на казённый счёт в Рим, где ему два года полагалось жить и работать на вилле Медичи наряду с прочими лауреатами премии. Именно в такой жёсткой двойственности и внутренних противоречиях прошёл весь ранний период жизни Дебюсси. Одновременно он и сопротивляется консервативной Академии, и желает быть включённым в её ряды, упорно добивается премии, но не хочет затем её отрабатывать и «оправдывать». Тем более что ради сомнительной чести быть поощрённым в качестве примерного ученика приходилось себя всячески сдерживать и считаться с академическими требованиями. Так, в отличие от романсов для мадам Ванье, работы Дебюсси, удостоенные Римских премий, в целом не выходили за пределы дозволенного традиционализма. И всё же, все эти годы Дебюсси был глубоко озабочен поисками своего оригинального стиля и языка. Эти намерения молодого музыканта неизбежно вступали в противоречие с академической схоластикой. Не раз между Дебюсси и некоторыми профессорами консерватории возникали острые конфликты, осложнявшиеся вспыльчивым и злопамятным характером молодого композитора.[3]
Римский период не стал для композитора особенно плодотворным, поскольку ни Рим, ни итальянская музыка не оказались ему близки, однако здесь он познакомился с поэзией прерафаэлитов и начал сочинять поэму для голоса с оркестром «Дева-избранница» (фр. La damoiselle élue) на слова Габриэля Россетти — первое произведение, в котором наметились черты его творческой индивидуальности. Отбыв первые несколько месяцев на вилле Медичи, Дебюсси посылает в Париж своё первое римское послание — симфоническую оду «Зюлейма» (по Гейне), а ещё через год — двухчастную сюиту для оркестра и хора без слов «Весна» (по знаменитой картине Боттичелли), вызвавшие печально знаменитый официальный отзыв Академии:
«Несомненно, Дебюсси не грешит плоскими оборотами и банальностью. Наоборот, его отличает ясно выраженное стремление к поискам чего-то странного и необычного. Он обнаруживает чрезмерное чувство музыкального колорита, которое временами заставляет его забывать важность чёткость рисунка и формы. Он должен особо остерегаться расплывчатого импрессионизма, столь опасного врага правды в произведениях искусства».
— (Leon Vallas, “Claude Debussy”, Paris, 1926, p.37.)
Этот отзыв примечателен, прежде всего, тем, что при всей академической косности содержания является по существу — глубоко новаторским. Данная бумага 1886 года вошла в историю, как первое упоминание об «импрессионизме» применительно к музыке. Следует особо отметить, что на тот момент импрессионизм вполне сформировался как художественное течение в живописи, но в музыке (в том числе и самого Дебюсси) — он не только не существовал, но даже ещё и не намечался. Дебюсси лишь находился в начале поисков нового стиля, и испуганные академики тщательно очищенным камертоном своих ушей уловили будущее направление его движения — и испуганно предостерегли его.[2] Сам же Дебюсси с достаточно едкой иронией говорил о своей «Зюлейме»: «она слишком сильно напоминает то ли Верди, то ли Мейербера»…
Дебюсси в салоне Эрнеста Шоссона играет оперу «Борис Годунов» Мусоргского, 1893 год
Однако кантата «Дева-избранница» и сюита «Весна», написанные на вилле Медичи, уже не вызывали у него столь сильной самоиронии. И когда Академия, приняв к исполнению в одном из своих концертов «Деву», отвергла «Весну», композитор предъявил резкий ультиматум и произошёл скандал, результатом которого стал отказ от участия в концерте и полный разрыв Дебюсси с Академией.[2]
После Рима Дебюсси посетил Байройт, снова испытав на себе сильнейшее влияние Рихарда Вагнера. Пожалуй, к числу самых вагнеровских произведений относится вокальный цикл «Пять стихотворений Бодлера» (фр. Cinq Poèmes de Baudelaire). Однако, не удовлетворившись одним Вагнером, все эти годы Дебюсси активно интересуется всем новым и повсюду ищет свой стиль. Ещё раньше посещение России привело к увлечению творчеством Мусоргского. После проходившей в Париже Всемирной выставки 1889 года Дебюсси обращает внимание на экзотические оркестры, в особенности яванский и аннамитский. Однако окончательное формирование композиторского стиля происходит у него только тремя годами позже.
Пытаясь сделать крупную композиторскую заявку, в 1890 году Дебюсси начинает работу над оперой «Родриг и Химена» (фр. Rodrigue et Chimène) по либретто Катюля Мендеса. Однако и эта работа не вызвала у него никакой уверенности в собственных силах и спустя два года была брошена неоконченной.
В конце 1880-х годов Дебюсси ближе сходится с Эрнестом Шоссоном, композитором-любителем, секретарём Национального Совета Музыки и просто очень богатым человеком, на помощь и поддержку которого он очень рассчитывал. Блестящий артистический салон Шоссона еженедельно посещали такие знаменитости, как композиторы Анри Дюпарк, Габриэль Форе и Исаак Альбенис, скрипач Эжен Изаи, певица Полина Виардо, пианист Альфред Корто-Дени, писатель Иван Тургенев, и художник Клод Моне. Именно там Дебюсси знакомится и с поэтом-символистом Стефаном Малларме, и становится сначала постоянным посетителем его поэтического кружка, а затем — и близким другом. В это же время Дебюсси впервые прочитал новеллы Эдгара По, который до конца жизни стал любимым писателем Дебюсси.[4]
Однако самым важным событием этого времени стало, пожалуй, неожиданное знакомство в 1891 году с тапёром «Трактира в Клу» (фр. Auberge du Clou) на Монмартре, Эриком Сати, занимавшим должность второго пианиста.[5] Поначалу Дебюсси привлекли гармонически свежие и необычные импровизации кафешантанного аккомпаниатора, а затем и его свободные от любых стереотипов суждения о музыке, оригинальность мышления, независимый, грубоватый характер и едкое остроумие, не щадящее решительно никаких авторитетов. Также, Сати заинтересовал Дебюсси своими новаторскими фортепианными и вокальными сочинениями, написанными смелой, хотя и не вполне профессиональной рукой. Непростая дружба-вражда этих двух композиторов, определивших лицо музыки Франции начала XX века, продолжилась почти четверть века.[6] Спустя тридцать лет Эрик Сати так описал их встречу:
«Когда мы впервые встретились, <…> он был как промокашка, насквозь пропитан Мусоргским и кропотливо искал свой путь, который ему никак не удавалось нащупать и отыскать. Как раз в этом вопросе я его далеко переплюнул: ни Римская премия…, ни „премии“ каких-либо других городов этого мира не отягощали мою походку, и мне не приходилось тащить их ни на себе, ни на своей спине… <…> В тот момент я писал „Сына звезд“ — на текст Жозефа Пеладана; и много раз объяснял Дебюсси необходимость для нас, французов, наконец, освободиться от подавляющего влияния Вагнера, которое совершенно не соответствует нашим природным наклонностям. Но одновременно я давал ему понять, что нисколько не являюсь антивагнеристом. Вопрос состоял только в том, что мы должны иметь свою музыку — и по возможности, без немецкой кислой капусты.
Но почему бы для этих целей не воспользоваться такими же изобразительными средствами, которые мы уже давно видим у Клода Моне, Сезанна, Тулуз-Лотрека и прочих? Почему бы не перенести эти средства на музыку? Нет ничего проще. Не это ли есть настоящая выразительность?»[3]
— (Эрик Сати, из статьи «Клод Дебюсси», август 1922.)
Ещё в 1888-1889 годах Сати опубликовал свои первые импрессионистские опусы (для фортепиано и голоса с фортепиано). Несомненно, общение с этим независимым и свободным человеком, находящимся вне всех группировок и академий, значительно ускорило формирование окончательного (зрелого) стиля Дебюсси.[7] Необычайно резкий и бурный характер носило у Дебюсси также и преодоление вагнеровского влияния. И если до 1891 года его преклонение перед Вагнером (по собственному признанию) «доходило до той степени, когда забываешь о правилах приличия», то спустя всего два года Дебюсси договорился до полного отрицания всякого значения Вагнера для искусства: «Вагнер никогда не служил музыке, он даже не служил Германии!» Многие из его близких друзей (включая Шоссона и Эмиля Вюйермо) так и не смогли понять и принять этой внезапной перемены, что повлекло за собой охлаждение также и личных отношений.[8]
Бросив сочинение оперы «Родриг и Химена» на либретто (по выражению Сати) «этого жалкого вагнериста Катюля Мендеса», в 1893 году Дебюсси приступил к долгому сочинению оперы по драме Метерлинка «Пеллеас и Мелисанда». А ещё год спустя, искренне вдохновившись эклогой Малларме, Дебюсси написал симфоническую прелюдию «Послеполуденный отдых фавна» (фр. Prélude à l’Après-midi d’un faune), которой суждено было стать своеобразным манифестом нового музыкального течения: импрессионизм в музыке.
WIKI

0

9

http://s017.radikal.ru/i405/1507/d2/f68c383f2706.jpg

Эдисо́н Васи́льевич Дени́сов (6 апреля 1929, Томск — 24 ноября 1996, Париж) — русский композитор, музыковед, общественный деятель, заслуженный деятель искусств РСФСР (1989), народный артист Российской Федерации (1995).
Родился 6 апреля 1929 года в Томске (СССР). Отец — радиофизик, стоявший у истоков томского телерадиовещания, мать — фтизиатр, работавшая в томском туберкулёзном диспансере.
В детстве Эдисон Денисов самостоятельно научился играть на мандолине и гитаре, серьёзно учиться музыке начал с 12 лет. В 1946 году поступил на физико-математический факультет Томского государственного университета и в музыкальное училище в класс известных томских педагогов О. А. Котляревской и Е. Н. Корчинского. В 1950 году Денисов победил в студенческом композиторском конкурсе и послал свои сочинения Дмитрию Шостаковичу, который ответил, что ему нужно серьёзно заняться музыкой.
В 1951 году Денисов поступил в Московскую консерваторию; окончив её в 1956 году, остался в ней преподавателем, его произведения становятся известными широкой публике. В России его музыка как «авангардная» не получала признания, а за рубежом Денисова называли «Моцартом XX века».
После окончания аспирантуры в 1959 году Денисов преподавал в Московской консерватории оркестровку, а затем композицию. Среди его учеников — композиторы Дмитрий Смирнов, Елена Фирсова, Александр Вустин, Сергей Павленко, Владимир Тарнопольский, Иван Соколов, Божидар Спасов, Хуан Гутьеррес и др. Все они официально занимались с Денисовым лишь инструментовкой, поскольку вплоть до конца 1980-х годов ему не разрешали открыто вести класс композиции. Позднее официальными учениками-композиторами Денисова стали Юрий Каспаров, Ольга Раева, Антон Сафронов, Александра Филоненко, Вадим Карасиков и др. Множество молодых композиторов, не будучи учениками Денисова, консультировались с ним, среди них — Дмитрий Капырин, Александр Щетинский (Украина), Дмитрий Янов-Яновский.
В 1979 году на VI съезде Союза композиторов СССР в отчётном докладе Первого секретаря Союза Тихона Хренникова музыка Денисова подверглась жёсткой критике, и Денисов попал в так называемую «хренниковскую семёрку» — «чёрный список» 7 русских композиторов. До начала горбачёвской перестройки официальные советские инстанции чинили препятствия распространению его музыки.
В 1994 году Эдисон Денисов попал в тяжелейшую автокатастрофу и был вывезен для лечения во Францию (где его творчество было давно известно и востребовано). Там он прожил последние 2 года жизни, периодически посещая Россию. Он стал почётным гражданином Парижа, был удостоен высшей государственной награды Франции — ордена Почётного легиона.
Умер в Париже 24 ноября 1996 года. Похоронен в Париже на кладбище Сен-Манде (12-й округ).
WIKI

0

10

http://s018.radikal.ru/i521/1606/15/bc9f67362fa7.jpg

Евге́ний Дми́триевич До́га (молд. Eugen Doga; род. 1 марта 1937, Мокра, Рыбницкий район, Молдавская АССР, Украинская ССР, СССР) — молдавский советский композитор, педагог, общественный деятель. Народный артист СССР (1987).
• Дога пишет музыку в различных жанрах и стилях. Автор трёх балетов «Лучафэрул» (Luceafărul), «Венансия», «Королева Марго», оперы «Диалоги любви», более 100 инструментальных и хоровых сочинений — симфонии, 6 квартетов, «Реквиема», духовной музыки и др., музыки к 13 спектаклям, радиопостановкам, более чем к 200-м фильмам, более 260 песен и романсов, более 70 вальсов. Также автор произведений для детей, музыки для открытия и церемонии закрытия Олимпиады 1980 года в Москве, церемонии открытия Олимпиады 2014 года в Сочи[1].
• 2007 год, когда композитор отметил свой 70-летний юбилей, был провозглашен в Молдавии Годом Евгения Доги[2].
Почётный гражданин Кишинёва, его именем названа музыкальная школа[3].
• Евгений Дога родился 1 марта 1937 года в селе Мокра Рыбницкого района, ныне территория непризнанной Приднестровской Молдавской Республики.
• Отец погиб на войне. Будучи ещё малолетним, любил слушать сельский оркестр, пытался что-то придумывать для него.
• После окончания семилетней школы отправился в Кишинёв, где в 1951—1955 годах учился в Музыкальном училище им. Ш. Няги по классу виолончели. Его приняли в училище несмотря на полное отсутствие предварительной подготовки.
• В 1960 году окончил Кишинёвскую консерваторию им. Г. Музическу (ныне Академия музыки, театра и изобразительных искусств) по классу виолончели у Г. С. Хохлова, в 1965 — по классу композиции у С. М. Лобеля и М. Р. Копытмана[4].
• В 1957—1962 годах — артист оркестра Молдавского радио и телевидения. Параллельно с учёбой занимался оркестровкой сочинений молдавских композиторов и полупрофессионалов, а также классиков, таких как Э. Григ, Д. Шостакович и А. Хачатурян. Карьере музыканта помешал паралич левой руки[5].
• 1 января 1957 года впервые его произведение «Новогодняя песня» (Cântec de anul nou) была исполнена на молдавском радио детским хором и оркестром под управлением Ш. Аранова[6]. Осенью того же года его однокурсница, будущая оперная примадонна Мария Биешу дебютировала с его песней «Белый цветок сада» (Floare dalbă de liadă)[7] на молдавском телевидении. В 1963 году пишет свой первый струнный квартет.
• После окончания консерватории два года не писал музыку[8], увлёкся теорией музыки, написал и издал учебник для студентов[9].
• В 1962—1967 годах преподавал композицию в Музыкальном училище им. Ш. Няги, а в Музыкальном училище им. Е. Коки — теорию музыки. В эти же годы работал музыкальным редактором в издательстве «Книга Молдовы» (Кишинёв).
• Кроме композиторского творчества постоянно занимается концертной и общественной деятельностью.
Всемирная организация интеллектуальной собственности (Женева) в знак признания его выдающихся достижений в музыке наградила специальным сертификатом в 2007 году[10].
• На протяжении всей творческой деятельности пишет музыку в самых различных жанрах и стилях[11]:
• балеты — «Лучафэрул» (по мотивам поэмы М. Эминеску, 1983), «Венансия» (на основе фольклора народов стран Латинской Америки, 1989), «Королева Марго» (1997)
• концертная опера «Диалоги любви» (о М. Эминеску и В. Микле, 1997)[11]
• музыкальная комедия «Ясский карнавал» (1969)
• для хора и оркестра — симфоническая поэма «Мама» по мотивам эстампа А. Давида (1965), кантаты «Партии гимн поём» (сл. П. Дарие, 1961), «Хор дружбы» (сл. И. Подоляну, 1968), «Славим тебя, Молдова» (сл. Е. Букова, 1968), «Сердце века» (сл. А. Стрымбану, 1969), «Весна человечества» (сл. И. Подоляну, 1970), «Сердце солдата» (сл. С. Гимпу, 1975), «Ода России» (сл. Вл. Лазарева, 1975), «Ода Молдавии» (сл. А. Кодру, 1976), «Поэма о Молдавии» (сл. А. Кодру, 1976), «Чайка надежды» (посв. чилийским патриотам, сл. Э. Лотяну, 1979), «Верховный призыв» (сл. Э. Лотяну, 1982), «Белая радуга» (сл. Э. Лотяну, 1984), «Солнечные цветы» (сл. Э. Лотяну, 1985), «Человеческий голос» (сл. Р. Рождественского), «Ровесник всех поколений» (на сл. Р. Рождественского, 1985), «Ода Кишинёву» (сл. Г. Водэ, 1998)
• кантаты для детского исполнения — «Белая лошадь», «Лия-чиокырлия», «Доброе утро», «Идёт, идёт весна», «Пусть будет мир» (сл. И. Подоляну, 1987), вокально-хореографическая сюита «Гимн солнцу» (сл. Г. Виеру)
• для детей — произведения для скрипки («Скрипунеллы») и фортепиано («Белая тетрадь на чёрном рояле», «Зимняя тетрадь»), песни «Дождик» (сл. Г. Виеру) и «Дед мороз» (сл. А. Пэунеску, 1993)
• для оркестра — симфония (1971), увертюра (1984), увертюра для малого оркестра (1961)
• произведения для эстрадного оркестра, в т.ч. музыкальная пьеса «Ритмы города» (1970)
• 6 струнных квартетов (в т. ч. 1-й — 1963, 2-й — 1973, 3-й — 1983, 4-й — 1993, 5-й — 2004, 6-й — 2010)[12]
• сюиты № 1 и № 2 для церемоний открытия и закрытия Олимпиады 1980 года в Москве
• квартет для 2 скрипок, альта и виолончели (1979)
• сюита № 5 для камерного оркестра (2004)
• хоры — 10 хоров а capella (сл. Е. Букова, 1970), 2 хора а capella (сл. М. Эминеску), «Желание» (сл. М. Эминеску, 1973), поэма для хора capella «Качание» (сл. Г. Виеру)
• два реквиема (1969 — без слов, 1994 — на стихи А. Пушкина)
• вальсы (более 70), песни, романсы, вокальные и оркестровые обработки молдавских народных мелодий
• 40 романсов на стихи М. Эминеску и В. Микле
• пьесы для скрипки, виолончели, флейты, аккордеона, фортепиано
• для голоса — сборники песен: «На крыльях песен» (изд. 1972), «Песни под гитару» (изд. 1972), цикл песен «Здесь Родина моя» (сл. молд. поэтов, 1976), «Ритмы эпохи» (изд. 1976), сборник «Солнечный день» (изд. 1978), сборник песен о Кишинёве «Город поёт» (1967)
• музыка к спектаклям драматических театров, в т.ч. «Штефан Раду, первый и последний» (1968) и «И под этим небом» (1970) А. Бусуйока , «Земля» (1969) и «Страстная неделя» (1974) И. Подоляну , «Ясский карнавал» В. Александри (1969), «Птицы нашей молодости» (1972), «Святая святых» (1978), «Обретение» (1983) (все И. Друцэ), «Председатель» Д. Матковски (1975), «Приключения светлячка» (1970), «Заколдованная булава» (1974)
• Два вальса композитора вошли в топ 200 лучших классических произведений всех времён[13].
В круг творческих интересов первыми входят поэты М. Эминеску, В. Микле, Г. Виеру. Среди русских классиков: поэты Серебряного века, В. Брюсов, К. Бальмонт, М. Цветаева, А. Кольцов, С. Есенин, Вл. Лазарев, А. Дементьев и другие.
Всемирную известность получил романтический вальс из мелодрамы «Мой ласковый и нежный зверь», поставленной в 1978 году Э. Лотяну по мотивам повести А.П. Чехова «Драма на охоте». Самое популярное своё произведение композитор написал, импровизируя на съёмочной площадке в подмосковной усадьбе Валуево, за одну летнюю ночь. Услышавшая и станцевавшая его первой исполнительница главной роли Галина Беляева, как и все на съёмочной площадке, подумала, что звучит ранее неизвестная классика из далёкого прошлого и была поражена, узнав, что произведение оригинальное, только что сочинённое[14][15]. Вальс далеко шагнул из фильма, где впервые прозвучал: с тех пор многие молодожёны выбирают его для своего первого свадебного танца, произведение часто звучит по радио и ТВ. «Чувствовал эту славу и я: никогда не забуду огромный хвост очереди в музыкальном магазине на Садовом кольце, где продавали пластинки с музыкой к фильму «Мой ласковый и нежный зверь»[16] — вспоминал композитор. Вальс неоднократно использовался в масштабных зрелищных шоу: он звучал в массовой гимнастической композиции (2000 спортсменов) на открытии Олимпиады-80 в Москве[17], спустя 34 года под этот вальс исполнялась сцена первого бала Наташи Ростовой на церемонии открытия Олимпиады 2014 в Сочи[18]. В 1988 году президент США и известный в прошлом актёр Рональд Рейган, находясь с визитом в Москве, назвал произведение Доги «вальсом века»[источник не указан 77 дней]. Многие десятилетия эта мелодия исполняется не только профессионалами, но и уличными музыкантами, ежедневно звучит в подземных переходах, на станциях метро и на улицах, её часто используют хореографы и спортсмены для постановки балетных и танцевальных номеров как на паркете, так и на льду[19][20][21]. Произведение называют самым известным в мире киновальсом[22][23].
WIKI

0


Вы здесь » All Vinyl - Клуб меломанов. » Композиторы » Д - Композиторы


Рейтинг форумов | Создать форум бесплатно © 2007–2017 «QuadroSystems» LLC