All Vinyl - Клуб меломанов.

Информация о пользователе

Привет, Гость! Войдите или зарегистрируйтесь.


Вы здесь » All Vinyl - Клуб меломанов. » Композиторы » С - Композиторы


С - Композиторы

Сообщений 1 страница 10 из 12

1

http://i008.radikal.ru/1208/a3/de3da2f07fd4.jpg

Ян Вацлав Антонин Стамиц (чеш. Jan Václav Antonín Stamic; нем. Johann Wenzel Anton Stamitz; 19 июня 1717, Гавличкув Брод — 27 марта 1757, Мангейм) — чешский композитор и скрипач. Отец Карла Стамица и Антона Стамица.
Родился в семье органиста. Учился в гимназии в Йиглаве, затем в Карловом университете в Праге. В 1741 г. перебрался в Мангейм, в 1743 г. стал первой скрипкой мангеймского придворного оркестра, в 1745 г. — его дирижёром. В 1754—1755 гг. работал в Париже.
Стамиц считается основоположником мангеймской музыкальной (композиторской и оркестровой) школы, для которой характерны, в частности, беспрецедентная самостоятельность партий духовых инструментов и интенсивное использование крещендо всего оркестра в противовес сдержанной динамике барочной музыки.
Стамицу принадлежит около 50 симфоний — считается, что именно он первым стал систематически писать четырёхчастные симфонии, добавляя к более раннему трёхчастному циклу менуэт или трио перед финалом. Стамиц написал также ряд оркестровых концертов (главным образом, для скрипки и для флейты), Торжественную мессу (1755), немало сонат

0

2

http://s14.radikal.ru/i187/1208/95/f3c24fb33b41.jpg

И́горь Фёдорович Страви́нский (5 [17] июня 1882, Ораниенбаум — 6 апреля 1971, Нью-Йорк; похоронен в Венеции на кладбище Сан-Микеле) — русский композитор, дирижёр и пианист, один из крупнейших представителей мировой музыкальной культуры XX века.
Игорь Стравинский родился в 1882 году на Швейцарской улице в Ораниенбауме на даче, которую купил его отец, Фёдор Стравинский — российский певец польского происхождения, солист Мариинского театра. По версии некоторых украинских исследователей, род Стравинских происходит из Волыни на Украине.
С девяти лет Стравинский брал частные уроки фортепиано, в восемнадцать лет по настоянию родителей поступил на юридический факультет Санкт-Петербургского государственного университета, одновременно приступив к самостоятельному изучению музыкально-теоретических дисциплин. С 1904 по 1906 год Стравинский брал частные уроки у Н. А. Римского-Корсакова, который предложил композитору занятия два раза в неделю, параллельно с его уроками у В. Калафати. Это была единственная композиторская школа Стравинского, благодаря которой он овладел профессией в совершенстве.
Под руководством Римского-Корсакова были написаны первые сочинения — скерцо и соната для фортепиано, сюита для голоса с оркестром «Фавн и пастушка» и т. д. На премьере последнего присутствовал Сергей Дягилев, высоко оценивший талант молодого композитора. Через некоторое время Дягилев предложил ему написать балет для постановки в «Русских сезонах» в Париже. В течение трёх лет сотрудничества с труппой Дягилева Стравинский написал три балета, принёсших ему мировую известность — «Жар-птица» (1910), «Петрушка» (1911) и «Весна священная» (1913).
В эти годы Стравинский периодически ездит из России в Париж и обратно, а в 1914 году, перед самым началом Первой мировой войны, едет в Швейцарию за часами, где и остаётся на ближайшие четыре года. Среди сочинений этого времени — опера «Соловей» по сказке Г. Х. Андерсена (1914) и «История солдата» (1918). Этим же временем датируется сближение Стравинского с французской «Шестёркой» и авангардным композитором Эриком Сати, ядовитый характер и музыка которого вызывали неизменное восхищение Стравинского. Некоторые произведения Сати, в особенности балет «Парад» (1917) и симфоническая драма «Сократ» (1918), оставили заметный след в творчестве Стравинского.
После окончания войны Стравинский принимает решение не возвращаться в Россию и спустя некоторое время переезжает во Францию. В 1919 году композитор по заказу Дягилева пишет балет «Пульчинелла», поставленный год спустя.
Стравинский жил во Франции до 1940 года. Здесь состоялись премьеры его оперы «Мавра» (1922), танцевальной кантаты (балета с пением) «Свадебка» (1923) — итогового произведения русского периода, а также оперы-оратории «Царь Эдип» (1927), знаменовавшей собой начало нового периода в творчестве композитора, который принято называть «неоклассическим».
В 1924 году состоялся дебют Стравинского в качестве пианиста: он исполнил собственный концерт для фортепиано и духового оркестра под управлением Сергея Кусевицкого. Как дирижёр Стравинский выступал с 1915 года. 1926 год отмечен первым обращением композитора к духовной музыке — «Отче наш» для хора a capella. В 1928 году появляются новые балеты — «Аполлон Мусагет» и «Поцелуй феи», а два года спустя — знаменитая и грандиозная «Симфония псалмов» на латинские тексты Ветхого Завета.
В начале 1930-х годов Стравинский обращается к жанру концерта — он создаёт концерт для скрипки с оркестром и концерт для двух фортепиано. В 1933—1934 годах по заказу Иды Рубинштейн совместно с Андре Жидом Стравинский пишет мелодраму «Персефона». Тогда же он окончательно решает принять французское гражданство (получено в 1934 году) и пишет автобиографическую книгу «Хроника моей жизни».
С 1936 года Стравинский периодически посещает с гастролями США, во время которых укрепляются его творческие связи с этой страной. В 1937 году в Метрополитен-опера был поставлен балет «Игра в карты», год спустя — исполнен концерт «Дамбартон-Окс», Стравинского приглашают прочитать курс лекций в Гарвардском университете. Наконец, в связи с начавшейся войной, Стравинский решает переехать в США. Композитор поселяется сначала в Сан-Франциско, а затем в Лос-Анджелесе. В 1945 году он становится американским гражданином. Произведения этого периода — опера «Похождения повесы» (1951), ставшая апофеозом неоклассического периода, балеты «Орфей» (1948), Симфония in C (1940) и Симфония в трёх частях (1945), Эбони-концерт для кларнета и джаз-оркестра (1946, написан для оркестра Вуди Германа[источник не указан 370 дней]), а также множество других сочинений.
В январе 1944 года, в связи с исполнением необычной аранжировки гимна США в Бостоне, местная полиция предупредила Стравинского, что существует ответственность в виде штрафа за искажение гимна. В связи с этим появился миф, что Стравинский был арестован за искажение гимна
С начала 1950-х годов Стравинский начинает использовать в своих сочинениях серийный принцип. Переходным сочинением стала Кантата на стихи английских анонимов, в которой со всей очевидностью обозначилась тенденция тотальной полифонизации музыки, к которой Стравинский тяготел всегда. Первым серийным сочинением стал Септет (1953). Полностью серийным сочинением, в котором Стравинский совершенно отказался от тональности, как таковой, стали Threni (Плач пророка Иеремии; 1958). Произведение, в котором серийный принцип абсолютен, — это «Движения» для фортепиано с оркестром (1959). Итоговое музыкальное произведение серийного периода — Вариации памяти Олдоса Хаксли для оркестра.
Апофеозом всего творчества Стравинского является Requiem Canticles («Заупокойные песнопения», Реквием) для контральто и баса соло, хора и оркестра (1966): «…„Заупокойные песнопения“ завершили всю мою творческую картину…», «…Реквием в моём возрасте слишком задевает за живое…», «…сочиняю шедевр своих последних лет» — И. Стравинский.
Стравинский очень активно гастролировал как дирижёр и пианист. Осенью 1962 года впервые после долгого перерыва он приезжает с концертами в СССР, где дирижирует в Москве и Ленинграде. Последнее завершённое его произведение — обработка для камерного оркестра двух духовных песен Хуго Вольфа (1968), но он ещё успеет задумать и начать оркестровку четырёх прелюдий и фуг из ХТК И. С. Баха (1968—1970), а также начнёт вынашивать замысел и представит себе эскизы фортепианного сольного произведения.
Умер Стравинский 6 апреля 1971 года от сердечной недостаточности. Похоронен на кладбище Сан-Микеле в Венеции (Италия), на так называемой «русской» его части, вместе со своей женой Верой, недалеко от могилы Сергея Дягилева.
На дочери И. Ф. Стравинского Людмиле (1908—1938) был женат поэт Юрий Мандельштам.
WIKI

0

3

http://s016.radikal.ru/i337/1209/c9/858b8bcc5f47.jpg

Гео́ргий Васи́льевич Свири́дов ((3) 16 декабря 1915, Фатеж — 6 января 1998, Москва) — великий русский композитор, пианист.
Ученик Дмитрия Шостаковича. Был награждён Сталинской премией (1946), Ленинской (1960) и Государственной премией СССР (1968, 1980). Четыре ордена Ленина, орден «За заслуги перед Отечеством» 2 степени (1995), Почётный гражданин Москвы (1997).
Биография
Георгий Васильевич Свиридов родился в 1915 году в городе Фатеж Курской губернии Российской империи. Его отец был почтовым служащим, а мать — учителем. Его отец, Василий Свиридов, сторонник большевиков в гражданской войне, был убит, когда Георгию было 4 года. Семья переехала в Курск, когда Георгию было 9 лет. Там Георгий Свиридов, учась в начальной школе, учился играть на своём первом музыкальном инструменте, балалайке. Учась подбирать на слух, он демонстрировал такой талант и способность, что он был принят в местный ансамбль народных инструментов. Он окончил музыкальную школу в 1929 году, и, по совету своего учителя, М. Крутинского, переехал в Ленинград в 1932 году, где он занимался на фортепиано в Ленинградском училище, которое он закончил в 1936 году. С 1936 по 1941, он учился в Ленинградской консерватории у Петра Рязанова и Дмитрия Шостаковича.
Мобилизированный в Советские Вооружённые силы в 1941, несколько дней спустя окончания консерватории, Свиридов был отправлен в военную академию в Уфе, но был комиссован в конце года по состоянию здоровья.
До 1944 года жил в Новосибирске, куда была эвакуирована Ленинградская филармония. Как и другие композиторы, он начинает писать военные песни, из которых самой известной стала, пожалуй, «Песня смелых» на стихи А. Суркова. Кроме того, он писал музыку для спектаклей эвакуированных в Сибирь театров.
В 1944 году Свиридов возвратился в Ленинград, а в 1950 году поселился в Москве[1]. Он пишет симфонии, концерты, оратории, кантаты, песни и романсы.
В июне 1974-го на фестивале русской и советской песни, проходившем во Франции, местная печать представила Свиридова своей искушенной публике как «наиболее поэтичного из современных советских композиторов»
В последние годы Георгий Свиридов много болел. 6 января 1998 года он скончался[3]. Гражданская панихида и похороны Г. Свиридова состоялись 9 января в Москве. После отпевания в храме Христа Спасителя состоялись похороны Г. Свиридова. Великий композитор похоронен на Новодевичьем кладбище
Музыка
Свои первые сочинения Свиридов написал ещё в 1935 году — ставший знаменитым цикл лирических романсов на слова Пушкина. Пока он учился в Ленинградской консерватории, с 1936 по 1941, Свиридов экспериментировал с разными жанрами и разными типами композиции. Он написал Концерт для фортепиано № 1 (1936—1939), Симфонию № 1 и камерную симфонию для струнных (1940).
Стиль Свиридова значительно менялся на ранних этапах его творчества. Его ранние вещи были написаны в стиле классической романтической музыки и были похожи на работы немецких романтиков. Позже многие сочинения Свиридова писались под влиянием его учителя Дмитрия Шостаковича, но также, например в Первой партите для фортепиано, заметно внимание композитора к музыкальному языку Пауля Хиндемита. Начиная с середины 50-х годов Свиридов обрел свой яркий самобытный стиль, и старался писать произведения, которые носили исключительно русский характер. Музыка Свиридова долго оставалась малоизвестна на Западе, но в России его работы пользовались грандиозным успехом у критиков и слушателей за их простые, но тонкие по форме лирические мелодии, масштаб, мастерскую инструментовку и ярко выраженный, но оснащенный мировым опытом национальный характер высказывания.
Свиридов продолжал и развивал опыт русских классиков, прежде всего Модеста Мусоргского, обогащая его достижениями XX столетия. Он использует традиции старинного канта, обрядовых попевок, знаменного пения, а в то же время — и современной городской массовой песни. Творчество Свиридова сочетает в себе новизну, самобытность музыкального языка, отточенность, изысканную простоту.
Память о Свиридове
    * 23 сентября 2005 в Курске был открыт первый памятник композитору, на котором высечены его слова: «Воспеть Русь, где Господь дал и велел мне жить, радоваться и мучиться»

0

4

http://s019.radikal.ru/i609/1308/bc/ebba0e767ca9.jpg

Эри́к Сати́
(фр. Erik Satie, полное имя Эрик Альфред Лесли Сати, фр. Éric Alfred Leslie Satie; 17 мая 1866, Онфлёр, Франция — 1 июля 1925, Париж, Франция) — экстравагантный французский композитор и пианист, один из реформаторов европейской музыки 1-й четверти XX столетия.
Его фортепианные пьесы оказали влияние на многих композиторов стиля модерн. Эрик Сати — предтеча и родоначальник таких музыкальных течений, как импрессионизм, примитивизм, конструктивизм, неоклассицизм и минимализм. Именно Сати придумал жанр «меблировочной музыки», которую не надо специально слушать, ненавязчивой мелодии, звучащей в магазине или на выставке.
Раннее творчество Сати оказало влияние на молодого Равеля. Он был старшим товарищем недолго просуществовавшего дружеского объединения композиторов Шестёрки. Оно не имело никаких общих идей[14] и даже эстетики, но всех объединяла общность интересов, выражавшееся в неприятии всего расплывчатого и стремлении к чёткости и простоте — как раз того, что было в произведениях Сати. Он стал одним из первопроходцев идеи подготовленного фортепиано и существенно повлиял на творчество Джона Кейджа.
Под его непосредственным влиянием сформировались такие известнейшие композиторы, как Клод Дебюсси (бывший его приятелем на протяжении более чем двадцати лет), Морис Равель, знаменитая французская группа «Шести», в которой наиболее известны Франсис Пуленк, Дариус Мийо, Жорж Орик и Артюр Онеггер. Творчество этой группы (она просуществовала чуть больше года), а также самого Сати оказало сильное влияние на Дмитрия Шостаковича. Шостакович услышал произведения Сати уже после его смерти, в 1925 году, во время гастролей французской «Шестёрки» в Петрограде. В его балете «Болт» видно влияние музыки Сати.
Некоторые произведения Сати произвели чрезвычайно сильное впечатление на Игоря Стравинского. В особенности, это относится к балету «Парад» (1917), партитуру которого он едва ли не целый год просил у автора,[15] и симфонической драме «Сократ» (1918). Именно два этих сочинения оставили наиболее заметный след в творчестве Стравинского: первое в его конструктивистском периоде, а второе — в неоклассических произведениях конца 1920-х годов. Испытав большое влияние Сати, он перешёл от импрессионизма (и фовизма) русского периода к почти скелетному стилю музыки, упростив стиль письма. Это видно в произведениях парижского периода — «Истории солдата» и опере «Мавра». Но даже и через тридцать лет об этом событии продолжали вспоминать не иначе, как об удивительном факте истории французской музыки:
    «Поскольку Шестёрка чувствовала себя свободной от своей доктрины и была исполнена восторженного почитания к тем, против кого выставляла себя в качестве эстетического противника, то и никакой группы она не составляла. „Весна священная“ произросла мощным деревом, оттесняя наш кустарник, и мы собирались было признать себя побеждёнными, как вдруг Стравинский вскоре сам присоединился к нашему кругу приёмов и необъяснимым образом в его произведениях даже чувствовалось влияние Эрика Сати».[16]
    — (Жан Кокто, «к юбилейному концерту Шестёрки в 1953 году»)
Придумав в 1916 году авангардный жанр «фоновой» (или «меблировочной») музыки, которую не надо специально слушать, Эрик Сати также явился первооткрывателем и предтечей минимализма. Его ненавязчивые мелодии, повторяющиеся сотни раз без малейшего изменения и перерыва, звучащие в магазине или в салоне во время приёма гостей, опередили своё время на добрые полвека.
WIKI

0

5

http://s019.radikal.ru/i608/1312/2e/acc3cad03e03.jpg

Ян Сибе́лиус (Жан Сибелиус, фин. Jean Sibelius, фин. Johan Christian Julius Sibelius[1]; 8 декабря 1865, Хямеэнлинна, Великое княжество Финляндское — 20 сентября 1957, Ярвенпяя, Финляндия) — финский композитор шведского происхождения.
Ян Сибелиус родился 8 декабря 1865 году в Тавастгусе в Великом княжестве Финляндском. Был вторым из троих детей доктора Кристиана Густава Сибелиуса и Марии Шарлотты Борг. Он рано потерял отца, провёл детские годы с матерью, братом и сестрой в доме бабушки в своём родном городе.
В семье говорили на шведском языке и поддерживали шведские культурные традиции. Однако родители отдали Яна в финноязычную среднюю школу. С 1876 года по 1885 он учился в Нормальном лицее Хямеэнлинны.
Следуя семейной традиции, детей обучали игре на музыкальных инструментах. Сестра Линда занималась на рояле, брат Кристиан — на виолончели, Ян — вначале на рояле, но после предпочёл скрипку.
Уже в десять лет Ян сочинил небольшую пьесу.
Впоследствии, его влечение к музыке возрастало и он начал систематические занятия под руководством руководителя местного духового оркестра Густава Левандера.
Полученные практические и теоретические знания позволили написать юноше несколько камерно-инструментальных сочинений.
В 1885 год поступил на юридический факультет Императорского университета в Хельсинки, но его не привлекала профессия юриста, и вскоре он перешёл в Музыкальный институт, где стал самым блестящим учеником Мартина Вегелиуса. Многие из его ранних сочинений для камерных ансамблей исполнялись студентами и преподавателями института.
Сибелиус в возрасте около 25 лет
В 1889 году Сибелиус получил государственную стипендию для обучения композиции и теории музыки у Альберта Беккера в Берлине. В следующем году брал уроки у Карла Гольдмарка и Роберта Фукса в Вене.
Портрет Сибелиуса работы Галлен-Каллела, 1896
По возвращении Сибелиуса в Финляндию состоялся его официальный дебют как композитора: была исполнена симфоническая поэма «Куллерво» (Kullervo), ор. 7, для солистов, мужского хора и оркестра — по одному из сказаний финского народного эпоса Калевала. Это были годы невиданного патриотического подъёма, и Сибелиуса немедленно провозгласили музыкальной надеждой нации. Вскоре он женился на Айно Ярнефельт, отцом которой был знаменитый генерал-лейтенант и губернатор, принимавший участие в национальнои движении — Август Александер Ярнефельт.
За Куллерво последовали симфоническая поэма «Сказка» (En Saga), ор. 9 (1892); сюита «Карелия» (Karelia), ор. 10 и 11 (1893); «Весенняя песня», ор. 16 (1894) и сюита «Лемминкяйнен» (Lemminkissarja), ор. 22 (1895). В 1897 Сибелиус участвовал в конкурсе на замещение должности преподавателя музыки в университете, но потерпел неудачу, после чего друзья убедили сенат учредить для него ежегодную стипендию в 3000 финских марок.
Заметное влияние на раннее творчество Сибелиуса оказали два финских музыканта: искусству оркестровки его обучал Роберт Каянус, дирижёр и основатель Ассоциации хельсинкских оркестров, а наставником в области симфонической музыки был музыкальный критик Карл Флодин. Премьера Первой симфонии Сибелиуса состоялась в Хельсинки (1899). В этом жанре композитор написал ещё 6 сочинений — последней была Седьмая симфония (одночастная Fantasia sinfonica), ор. 105, впервые исполненная в 1924 году в Стокгольме. Международную известность Сибелиус приобрёл именно благодаря симфониям, но популярностью пользуются и его скрипичный концерт, и многочисленные симфонические поэмы, такие, как «Дочь Похьёлы» (фин. Pohjolan tytär), «Ночная скачка и восход солнца» (швед. Nattlig ritt och soluppgang), «Туонельский лебедь» (Tuonelan joutsen) и «Тапиола» (Tapiola).
Большинство сочинений Сибелиуса для драматического театра (всего их шестнадцать) — свидетельство его особой склонности к театральной музыке: в частности, это симфоническая поэма «Финляндия» (Finlandia) (1899) и «Грустный вальс» (Valse triste) из музыки к пьесе шурина композитора Арвида Ярнефельта «Смерть» (Kuolema); пьеса была впервые поставлена в Хельсинки в 1903 году. Многие песни и хоровые произведения Сибелиуса часто звучат у него на родине, но за её пределами почти неизвестны: очевидно, их распространению мешает языковой барьер, а кроме того, они лишены характерных достоинств его симфоний и симфонических поэм. Сотни фортепианных и скрипичных пьес и несколько сюит для оркестра также уступают лучшим сочинениям композитора.
Особое положение в финской национальной культуре занимает симфоническая поэма «Финляндия», являющаяся музыкальной иллюстрацией истории народа и имевшая антироссийскую направленность. Мелодия имела успех и стала национальным гимном. Её исполнение, в том числе и насвистывание мелодии в общественных местах, каралось русскими властями заключением[2].
Творческая деятельность Сибелиуса фактически завершилась в 1926 симфонической поэмой «Тапиола», ор. 112. Более 30 лет музыкальный мир ждал от композитора новых сочинений — особенно его Восьмой симфонии, о которой столько говорилось (в 1933 году была даже анонсирована её премьера); однако ожидания не сбылись. В эти годы Сибелиус писал лишь небольшие пьесы, в том числе масонскую музыку и песни, ничем не обогатившие его наследие. Впрочем, существуют свидетельства, что в 1945 году композитор уничтожил большое количество бумаг и рукописей, — возможно, среди них были и не дошедшие до окончательного воплощения поздние сочинения.
Почтовая марка Финляндии, выпущенная к 80-летию Яна Сибелиуса, 1945
Его творчество получает признание главным образом в англо-саксонских странах. В 1903—1921 он пять раз приезжал в Англию дирижировать своими произведениями, а в 1914 посетил США, где под его управлением в рамках музыкального фестиваля в Коннектикуте прошла премьера симфонической поэмы Океаниды (Aallottaret). Популярность Сибелиуса в Англии и США достигла своего пика к середине 1930-х годов. Такие крупные английские писатели, как Роза Ньюмарч, Сесил Грей, Эрнест Ньюмен и Констант Ламберт, восхищались им как выдающимся композитором своего времени, достойным преемником Бетховена. Среди наиболее пылких приверженцев Сибелиуса в США были О. Даунс, музыкальный критик «Нью-Йорк Таймс», и С. Кусевицкий, дирижёр Бостонского симфонического оркестра; в 1935, когда музыка Сибелиуса прозвучала по радио в исполнении Нью-йоркского филармонического оркестра, слушатели избрали композитора своим «любимым симфонистом».
С 1940-е-х интерес к музыке Сибелиуса заметно падает: раздаются голоса, подвергающие сомнению его новаторство в области формы. Сибелиус не создал своей школы и не оказал прямого влияния на композиторов следующего поколения. В наши дни его обычно ставят в один ряд с такими представителями позднего романтизма, как Р. Штраус и Э. Элгар. При этом в Финляндии ему отводили и отводят гораздо более важную роль: здесь он признан великим национальным композитором, символом величия страны.
Ещё при жизни Сибелиус удостоился почестей, которые воздавались лишь немногим художникам. Достаточно упомянуть многочисленные улицы Сибелиуса, парки Сибелиуса, ежегодный музыкальный фестиваль «Неделя Сибелиуса». В 1939 «альма матер» композитора, Музыкальный институт, получил название Академии имени Сибелиуса.
Умер Сибелиус в Ярвенпяя 20 сентября 1957.
WIKI

0

6

Илья Александрович Сац (18 (30) апреля 1875, Чернобыль Киевской губернии — (11) 24 октября 1912, Москва) — русский композитор, дирижёр, виолончелист, театральный композитор.[1]
Илья Сац родился в местечке Чернобыль в еврейской семье. Его отец, Александр Миронович Сац, был присяжным поверенным. Вырос в Чернигове, где обучался в классической гимназии. Недоучившись, в 1890 году самостоятельно уехал в Киев, работал носильщиком, посыльным. Учился в Киевском музыкальном училище, в 1897—1899 — в Московской консерватории по классу виолончели. Контрапункт изучал у С. Т. Танеева. С 1903 по 1907 годы учился в Музыкально-драматическом училище Московского филармонического общества. Одновременно в 1905 году — заведующий музыкальной частью Театра-студии на Поварской, с 1906 года заведующий музыкальной частью и дирижёр МХТ.
Особенной популярностью пользовалась музыка Ильи Саца к постановке «Синей птицы» М. Метерлинка. Писал он музыку и для спектаклей других театров: Малого, Драматического театра им. В. Ф. Комиссаржевской, пародийного театра-кабаре «Кривое зеркало» и т. д.
В 1905 году основал «Кружок художественных исканий», члены которого были заняты поисками новых изобразительных возможностей в оперной режиссуре и кружок «Музыка народов». В том же году выступал с циклом этнографических концертов. Собирая материал для них, ездил по деревням и местечкам Малороссии, Поволжья, Крыма и Кавказа. Один из основоположников еврейской этнографии в России — собранные в поездках еврейские народные напевы были им использованы в музыкальном сопровождении спектакля «Miserere» по пьесе Семёна Юшкевича и в других произведениях.
Автор опер-пародий на собственные либретто («Не хвались, идучи на рать», «Месть любви, или Кольцо Гваделупы», «Восточные сладости, или Битва русских с кабардинцами»), оркестровых и фортепианных пьес, романсов, песен.
WIKI

0

7

http://s018.radikal.ru/i520/1402/84/32cf5c6b1eb5.jpg

Бе́држих Сме́тана (чеш. Bedřich Smetana [ˈbɛdr̝ɪx ˈsmɛtana], при крещении получил имя Фри́дрих (нем. Friedrich); 2 марта 1824, Литомишль — 12 мая 1884, Прага) — чешский композитор, пианист и дирижёр, основоположник чешской национальной композиторской школы.
Сметана родился в семье пивовара Литомишльского замка. Рос и воспитывался (в семье и в школе) в немецкоязычной среде. Позже, в зрелом возрасте, проникся идеями чешского национализма, изучил чешский язык и сменил имя Фридрих на Бедржих. Рано проявив музыкальные способности, он начал учиться игре на фортепиано и скрипке. В восемь лет он начал сочинять, однако его отец хотел, чтобы тот стал экономистом. Тем не менее, по окончании пльзеньского лицея Сметана отправился в Прагу, где совершенствовал своё фортепианное мастерство. В эти годы финансовую поддержку молодому музыканту оказывал Ференц Лист, высоко ценивший его талант. Благодаря Листу Сметане удалось в 1848 году издать некоторые из своих сочинений и открыть собственную музыкальную школу, где он стал преподавать игру на фортепиано.
В 1856 году Сметана получил приглашение на пост дирижёра симфонических концертов в Гётеборге, где работал в течение ближайших пяти лет также как педагог и музыкант камерного ансамбля. Вернувшись в Прагу в 1863 году, он основал ещё одну музыкальную школу с целью продвигать чешскую музыку. В 1866 году Сметана получил место главного дирижёра Национального оперного театра Чехии, в оркестре которого в то время играл на альте никому ещё не известный молодой музыкант и начинающий композитор Антонин Дворжак. В этом театре впервые были поставлены многие из опер Сметаны, написанные на чешские народные сюжеты.
В 1874 году Сметана тяжело заболел (по одной из версий, сифилисом[1][2]) и из-за почти полной потери слуха был вынужден оставить свой пост. Уйдя от активной общественной деятельности и поселившись у своей дочери Зофии и её мужа-лесничего на хуторе Ябкенице, он продолжал сочинять музыку. В 1883 году из-за прогрессировавшей меланхолии он был помещён в психиатрическую больницу в Праге, где и умер 12 мая 1884 года. Композитор похоронен на Вышеградском кладбище.
Творчество
Сметана — один из крупнейших музыкантов Чехии, считающийся основоположником национальной композиторской школы. Он был первым композитором, использовавшим в своих сочинениях чешские народные сюжеты и мотивы. Первая в истории опера, целиком написанная на чешском языке («Бранденбуржцы в Чехии»), также принадлежит его перу. Творчество Сметаны оказало огромное влияние на чешских композиторов последующих поколений — Антонина Дворжака, Зденека Фибиха и других.
Симфоническая поэма «Влтава» (Молдау) стала неофициальным чешским национальным гимном.
WIKI

0

8

http://s019.radikal.ru/i606/1206/f2/066e11cd4342.jpg

Джордж Селл (англ. George Szell, нем. Georg Szell; 7 июня 1897, Будапешт, Австро-Венгрия — 30 июля 1970, Кливленд, США) — немецкий и американский пианист, дирижёр, педагог и композитор.
Селл родился в венгерской семье. Вырос в Вене, учился как пианист у Рихарда Роберта (одновременно с Рудольфом Серкином, с которым в дальнейшем Селла связало многолетнее сотрудничество), изучал композицию и теорию музыки у Ойзебиуса Мандычевского в Академии музыки и сценического искусства, затем также некоторое время занимался у Макса Регера в Лейпцигской консерватории. С 10 лет выступал как пианист, с 14 лет исполнял и собственные сочинения.
Как дирижёр дебютировал в 1914 году в Берлине; до 1916 года был вторым дирижёром оперного театра «Королевские зрелища» в Берлине, в 1917—1918 годах — главный дирижёр оперного театра в Страсбурге. В 1921—1924 годах работал в Праге, Дармштадте и Дюссельдорфе, в 1924—1929 возглавлял оркестр Немецкой государственной оперы и одновременно (с 1927) был профессором Высшей школы музыки в Берлине. В 1929—1937 годах — генеральмузикдиректор Немецкой государственной оперы и, руководитель филармонических концертов и профессор Немецкой академии музыки в Праге. С 1932 года дирижировал крупнейшими европейскими симфоническими оркестрами, в том числе Венским, Берлинским, Лондонским филармоническим и др. В 1936—1939 годах — главный дирижёр Шотландского национального оркестра в Глазго, а в 1937—1938 годах одновременно и гаагского Резиденц-оркестра. В сезоны 1938 и 1939 года работал в Австралии (дирижировал оркестром Австралийского радио). Много гастролировал в странах Европы и в США.
С 1939 года жил в США, дирижировал ведущими американскими оркестрами, в 1942—1946 годах работал в Метрополитен-опера. В 1946 году принял руководство Кливлендским оркестром, который под руководством Селла стал одним из лучших в мире; в 1957 и 1965 годах гастролировал с этим оркестром в странах Европы, в том числе в СССР (1965). Выступал на многочисленных музыкальных фестивалях, в том числе на Зальцбургском.
Селл — дирижёр романтического склада; обладал тонким вкусом; его темпы были гибки, с выразительными rubato. Репертуар Селла огромен; в его основе главным образом монументальные сочинения — симфонии, в том числе «большая» C-dur P. Шуберта, 3-я («Героическая») Л. Бетховена, 5-я С. С. Прокофьева.
Селл — автор вариаций на собственную тему для оркестра (1916), Лирической увертюры (1920), фортепианного квинтета и сочинений для фортепиано.
По результатам опроса, проведённого в ноябре 2010 года британским журналом о классической музыке BBC Music Magazine среди ста дирижёров из разных стран, среди которых такие музыканты, как Колин Дэвис (Великобритания), Валерий Гергиев (Россия), Густаво Дудамель (Венесуэла), Марис Янсонс (Латвия), Селл занял четырнадцатое место в списке из двадцати наиболее выдающихся дирижёров всех времён
WIKI

0

9

http://se.uploads.ru/YXo5I.jpg

Шарль-Ками́ль Сен-Са́нс (фр. Charles-Camille Saint-Saëns [ʃaʁl kamij sɛ̃sɑ̃s]; 9 октября 1835, Париж — 16 декабря 1921, Алжир) — французский композитор, органист, дирижёр, музыкальный критик и писатель.
Сен-Санс родился в семье Жака-Жозефа-Виктора Сен-Санса (1798―1835), происходившего из нормандской крестьянской семьи и служившего в Министерстве внутренних дел. Отец умер, когда Камилю было три месяца, и его воспитанием занимались мать и двоюродная бабушка. Обучаться игре на фортепиано Сен-Санс начал с трёх лет, а в десять впервые выступил в зале Плейель с Третьим фортепианным концертом Бетховена и Пятнадцатым концертом Моцарта (Си-бемоль мажор, К.450, к которому Сен-Санс сам написал каденцию). Концерт прошёл с большим успехом, усилившимся благодаря тому, что Сен-Санс играл программу на память (что было нехарактерно для этой эпохи). Известный педагог Камиль Стамати рекомендовал Сен-Санса композитору Пьеру Маледану, которого Сен-Санс позднее назовёт «непревзойдённым учителем».
Помимо музыки, юный Сен-Санс живо интересуется французской историей, литературой, философией, религией, древними языками и естественными науками ― математикой, астрономией и археологией. Свой интерес к ним он сохранит в течение всей своей жизни.
В 1848 Сен-Санс поступает в Парижскую консерваторию в класс органа Франсуа Бенуа, и заканчивает её с первой премией в 1851. В том же году он начинает заниматься композицией и оркестровкой у Фроманталя Галеви, а также обучаться пению и аккомпанементу. Среди его сочинений этого времени ― скерцо для камерного оркестра, симфония A-dur, хоры и романсы, ряд неоконченных работ. В конкурсе на Римскую премию 1852 года Сен-Санс терпит неудачу, однако его «Ода к святой Цецилии» получает первый приз на конкурсе Общества Святой Цецилии в Бордо в том же году. Сен-Санс принимает активное участие в издании полного собрания сочинений Глюка, пишет романсы, фортепианный квинтет и симфонию «Urbs Roma», вновь получившую премию общества Святой Цецилии в 1857.
Успех Сен-Санса позволяет ему сблизиться с крупнейшими европейскими музыкантами того времени ― Полиной Виардо, Шарлем Гуно, Джоаккино Россини, Гектором Берлиозом. Его пианистическое и композиторское мастерство высоко оценил Ференц Лист. В 1857 Сен-Санс получает место органиста в парижской церкви Мадлен и занимает этот пост в течение двадцати лет, пользуясь большим успехом во многом благодаря своим импровизациям. Он сочиняет Вторую симфонию, оперы, активно пропагандирует музыку современных композиторов. Сен-Санс был одним из первых французских музыкантов, поддерживавших творчество Вагнера и Шумана. По собственной инициативе он дирижирует концертами из музыки Листа, первым во Франции исполняя его симфонические поэмы. Этот жанр, до того неизвестный во Франции, позднее появится и в творчестве самого Сен-Санса ― «Прялка Омфалы» (1871), «Фаэтон» (1873), «Пляска смерти» (1874), «Юность Геракла» (1875). Сен-Санс также возрождает интерес к произведениям Баха и Моцарта, открывает для публики практически неизвестного до того во Франции Генделя.
К началу 1860-х годов Сен-Санс уже широко известен как композитор и пианист-виртуоз. Его сочинения получают премии на престижных композиторских конкурсах (тем не менее, Римскую премию, на которую Сен-Санс повторно номинировался в 1863, ему так и не присудили). Сен-Санс с успехом исполняет во Франции и за границей свой Первый фортепианный концерт. С 1861 по 1865 он преподаёт в Школе Нидермейера (единственный период, когда Сен-Санс официально занимался преподаванием), где среди его учеников были Габриэль Форе, Андре Мессаже, Эжен Жигу. В 1871 он совместно с Роменом Бюссином основывает Национальное музыкальное общество, ставящее своей задачей развитие современной французской музыки и исполнение сочинений ныне живущих композиторов. В общество в разное время входили Форе, Франк, Лало, в рамках его концертов были впервые исполнены многие сочинения самого Сен-Санса, а также Шабрие, Дебюсси, Дюка и Равеля.
В 1870-х годах Сен-Санс начинает выступать как критик. Его публикации (не только на музыкальные темы), написанные живым, красочным языком, отмеченные мастерством ведения полемики с оппонентами (среди которых был, в частности, Венсан д’Энди), пользовались у читателей большой популярностью. После посещения Байрёйтского фестиваля в 1876 году Сен-Санс написал семь обширных статей, посвящённых творчеству Вагнера.
В ноябре 1875 Сен-Санс по приглашению Русского музыкального общества посещает с концертами Санкт-Петербург, где дирижирует «Пляской смерти» и выступает как пианист. К этому времени относится знакомство Сен-Санса с Н. Рубинштейном и Чайковским.
Личная жизнь Сен-Санса складывалась не так удачно, как его музыкальная карьера. В 1875 году он женился на девятнадцатилетней Мари-Лор Трюффо, несмотря на несогласие своей матери. У них родилось два сына, но оба они погибли в раннем возрасте: один выпал из окна, другой умер от болезни. В 1881 Сен-Санс покинул свою жену (официальный развод был оформлен несколько позже), и они больше никогда не виделись.
В 1877 была поставлена опера Сен-Санса «Серебряный колокольчик», посвящённая меценату Альберу Либону, выделившему Сен-Сансу сто тысяч франков, чтобы тот мог полностью посвятить себя композиции. Вскоре Либон умер, и Сен-Санс написал Реквием в его память, впервые исполненный в 1878. На рубеже 1870―80-х годов Сен-Санс продолжает работать над новыми сочинениями, среди которых наибольшую известность получила опера «Генрих VIII». В 1881 его избирают в Академию изящных искусств, три года спустя он становится офицером Ордена Почётного легиона.
В 1886 Сен-Санс порывает с Национальным музыкальным обществом, после того как в их концертах было решено исполнять не только французскую, но и зарубежную музыку. После смерти матери в 1888 году Сен-Санс отправляется в долгий концертный тур, посещая Алжир, Египет, Азию, Южную Америку, а вернувшись в 1890 во Францию, поселяется в Дьеппе, где вскоре будет открыт его музей. В это время он продолжает сочинять музыку и писать статьи.
К концу XIX века популярность Сен-Санса во Франции идёт на убыль, однако в Англии и США его продолжают считать одним из величайших французских композиторов-современников. Ещё в 1871 году состоялись первые концерты Сен-Санса в Лондоне, он играл в присутствии королевы Виктории, изучал рукописи Генделя, хранившиеся в библиотеке Букингемского дворца. По заказу Лондонского филармонического общества в 1886 он создал одно из самых известных своих оркестровых сочинений ― Третью симфонию c-moll (также известную как «Симфония с органом») и впервые продирижировал ею в Лондоне. В 1893 Сен-Санс руководил исполнением в Лондоне своей оперы «Самсон и Далила» в форме оратории (воплощать библейский сюжет на сцене было запрещено цензурой), и в этом же году получил степень почётного доктора Кембриджского университета (одновременно с Чайковским). В 1900―1910-х годах с большим успехом проходят выступления Сен-Санса в американских городах ― Филадельфии, Чикаго, Вашингтоне, Нью-Йорке и Сан-Франциско. Сен-Санс стал одним из первых композиторов для кино ― в 1908 он написал музыку к фильму «Убийство герцога Гиза».
В последние годы жизни Сен-Санс, несмотря на почтенный возраст, много гастролировал как пианист и дирижёр во Франции и за границей. Последние его концерты состоялись в августе 1921 года. Сен-Санс умер в Алжире в возрасте 86 лет. Его тело было перенесено в Париж, где после церемонии прощания в церкви Мадлен он и был похоронен на кладбище Монпарнас.
WIKI

0

10

http://s018.radikal.ru/i514/1505/86/33649bc27d20.jpg

Алекса́ндр Никола́евич Скря́бин (25 декабря 1871 (6 января 1872), Москва — 14 (27) апреля 1915, Москва) — русский композитор и пианист. Его творчество принято рассматривать как стоя́щее совершенно особняком, хотя с точки зрения композиторской техники оно может быть сближено с Новой венской школой. Остро стоявшую перед композиторами того времени проблему «недостаточности», «узости» тональности Скрябин решает по-своему, усложняя до предела гармонию. Одновременно желаемой выразительности он добился, введя в музыку цвет, то есть впервые в истории использовал светомузыку.
Скрябин родился в семье студента Московского университета, ставшего затем видным дипломатом, действительным статским советником Николая Александровича Скрябина (1849—1915)[1][2] в доме городской усадьбы Кирьяковых.
Был крещён в храме Трёх Святителей на Кулишках. Дворянский род отца композитора А. Н. Скрябина не был древним и богатым.
В Центральном государственном историческом архиве Москвы хранится «метрическая книга, данная из Московской духовной консистории Ивановского Сорока в Трёхсвятительскую, что на Кулишках, церковь», в которую и была внесена запись о рождении будущего композитора.[3]
Его прадед — Иван Алексеевич Скрябин (1775 года рождения) — происходил «из солдатских детей города Тулы»; за храбрость в бою под Фридландом награждён знаком отличия военного ордена св. Георгия и крестом для нижних чинов; получив в 1809 год чин подпоручика, через десять лет вместе с сыном Александром вносится в родословную книгу дворян Санкт-Петербургской губернии; дед композитора — Александр Иванович — по полученному чину подполковника вносится в 1858 году во вторую часть родословной книги дворян Московской губернии.[4]
Мать композитора Любовь Петровна (урождённая Щетинина) (1850—1873) была талантливой пианисткой, окончившей с отличием Санкт-Петербургскую консерваторию по классу Теодора Лешетицкого[5].
Любовь Петровна на 23 году жизни скоропостижно умерла от чахотки через год после рождения сына, находясь на лечении в Тироле. (В 1913 году Скрябин, будучи у отца в Лозанне, посетил вместе с ним могилу своей матери. Фотография могилы хранится в его архиве.[6]).
По окончании учёбы, весной 1878 года, Николай Александрович определён на службу в Министерство Иностранных Дел и в конце того же года уже назначен в посольство в Константинополь. Маленький Шуринька остался на попечении и воспитании у бабушки, матери отца, Елизаветы Ивановны (урождённой Подчертковой, имевшей поместье в Боровичском уезде Новгородской губернии), её сестры Марии Ивановны Подчертковой, ставшей ему крёстной, деда — подполковника артиллерии Александра Ивановича Скрябина (1811—1879). Воспитанию мальчика посвятила себя и сестра отца, Любовь Александровна, оставившая полные восторженной любви воспоминания о детстве племянника. В воспитании юного композитора принимали также участие его родные дяди (все военные).
После ранней, преждевременной смерти супруги Николай Александрович был женат вторым браком на итальянской подданной Ольге Ильиничне Фернандес. У них родилось пятеро детей: Николай, Владимир, Ксения, Андрей, Кирилл.[8]
Уже в пять лет Скрябин умел играть на фортепиано, позже проявил интерес к композиции, однако по семейной традиции (род композитора Скрябина известен с начала XIX века и насчитывал большое количество военных[4]) был отдан в 2-й Московский кадетский корпус. Решив посвятить себя музыке, Скрябин начал брать частные уроки у Георгия Эдуардовича Конюса, затем у Николая Сергеевича Зверева (фортепиано) и Сергея Ивановича Танеева (теория музыки).
Окончив кадетский корпус, Скрябин поступил в Московскую консерваторию в классы фортепиано Василия Ильича Сафонова и композиции Антона Степановича Аренского. Занятия с Аренским не принесли результатов, и в 1891 году Скрябин был отчислен из класса композиции за неуспеваемость[9], тем не менее, блестяще окончив курс по фортепиано год спустя с малой золотой медалью (Сергей Васильевич Рахманинов, окончивший консерваторию в том же году, получил большую медаль, так как с отличием прошёл также и курс композиции).
По окончании консерватории Скрябин хотел для себя карьеры концертирующего пианиста, но в 1894 году переиграл правую руку и в течение некоторого времени не мог выступать. В августе 1897 года в Варваринской церкви в Нижнем Новгороде[источник не указан 1614 дней] Скрябин обвенчался с молодой талантливой пианисткой Верой Ивановной Исако́вич, происходящей из московских дворян. Восстановив работоспособность руки, Скрябин с супругой уехал за границу, где зарабатывал на жизнь, исполняя преимущественно собственные сочинения.
Скрябины вернулись в Россию в 1898 году, в июле этого же года родилась их первая дочь Римма (умрёт в возрасте семи лет от заворота кишок). В 1900 году родилась дочь Елена, которая впоследствии станет супругой выдающегося советского пианиста Владимира Владимировича Софроницкого. Позже в семье Александра Николаевича и Веры Ивановны появятся дочь Мария (1901) и сын Лев (1902).
В сентябре 1898 года Скрябин был приглашён на должность профессора Московской консерватории, а в 1903 году начал преподавание в женском Екатерининском институте, однако через год он оставляет преподавательскую деятельность, так как она сильно отвлекала его от собственного творчества.
В конце 1902 года Скрябин знакомится со второй женой (официально они расписаны не были) Татьяной Фёдоровной Шлёцер, племянницей Пауля де Шлёцера, профессора Московской консерватории (по классу которого обучалась также официальная супруга композитора). Уже в следующем году Скрябин просит у жены согласие на развод, однако не получает его.
До 1910 года Скрябин вновь больше времени проводит за рубежом (в основном, во Франции, позднее в Брюсселе, где он проживал по адресу rue de la Réforme, 45), выступая как пианист и дирижёр. Вернувшись в Москву, композитор продолжает концертную деятельность, не переставая сочинять. Последние концерты Скрябина состоялись в начале 1915 года.
Как-то композитор неудачно выдавил фурункул в носогубном треугольнике, возник карбункул, затем сепсис, от которого Скрябин скончался. Похоронен на Новодевичьем кладбище[10].
Последние годы проживал со своей гражданской семьёй в Москве по адресу Большой Николопесковский переулок, 11.
В этом доме с 17 июля 1922 года и по сей день действует Государственный мемориальный музей А. Н. Скрябина.[11]
Мария Вениаминовна Юдина вспоминала о возвращении в Москву 9 марта 1942 года спасённого из блокадного Ленинграда Софроницкого:
Музыка Скрябина очень самобытна. В ней отчётливо чувствуется нервность, импульсивность, тревожные поиски, не чуждые мистицизма. С точки зрения композиторской техники музыка Скрябина близка творчеству композиторов Новой венской школы (Шёнберга, Берга и Веберна), однако решена в ином ракурсе — через усложнение гармонических средств в пределах тональности. В то же время форма в его музыке практически всегда ясна и завершена. Композитора привлекали образы, связанные с огнём: в названиях его сочинений нередко упоминается огонь, пламя, свет и т. п. Это связано с его поисками возможностей объединения звука и света.
В ранних сочинениях Скрябин — тонкий и чуткий пианист — сознательно следовал Шопену, и даже создавал произведения в тех же жанрах, что и тот: этюды, вальсы, мазурки, сонаты, ноктюрны, экспромты, полонез, концерт для фортепиано с оркестром хотя уже в тот период его творческого становления проявился собственный почерк композитора. Однако впоследствии Скрябин обращается к жанру поэмы, как фортепианной, так и оркестровой. Крупнейшие его сочинения для оркестра — три симфонии (Первая написана в 1900 году, Вторая — в 1902 году, Третья — в 1904 году), Поэма экстаза (1907), «Прометей» (1910). В партитуру симфонической поэмы «Прометей» Скрябин включил партию световой клавиатуры, таким образом, став первым в истории композитором, использовавшим цветомузыку.
Одним из последних, неосуществлённых замыслов Скрябина была «Мистерия», которая должна была воплотиться в грандиозное действо — симфонию не только звуков, но и красок, запахов, движений, даже звучащей архитектуры. В конце XX века композитор Александр Немтин по наброскам и стихам Скрябина создал законченную музыкальную версию её начальной части — «Предварительное действо», однако, исключив из неё основную часть текста.
Уникальное место Скрябина в русской и мировой истории музыки определяется прежде всего тем, что он рассматривал собственное творчество не как цель и результат, а как средство достижения гораздо более крупной Вселенской задачи. Посредством своего главного сочинения, которое должно было носить название «Мистерия», А. Н. Скрябин собирался завершить нынешний цикл существования мира, соединить Мировой Дух с косной Материей в некоем космическом эротическом акте и таким образом уничтожить нынешнюю Вселенную, расчистив место для сотворения следующего мира[20]. Чисто музыкальное новаторство, которое особенно дерзко и ярко проявилось после швейцарского и итальянского периода жизни Скрябина (1903—1909 годы) — он всегда считал второстепенным, производным и призванным послужить исполнению главной цели. Строго говоря, главнейшие и ярчайшие произведения Скрябина — «Поэма Экстаза» и «Прометей» — есть не что иное, как предисловие («Предварительное Действо») или описание средствами музыкального языка, как именно всё будет происходить во время свершения Мистерии и соединения мирового Духа с Материей[21].
WIKI

0


Вы здесь » All Vinyl - Клуб меломанов. » Композиторы » С - Композиторы


Рейтинг форумов | Создать форум бесплатно © 2007–2017 «QuadroSystems» LLC